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Aishwarya Rai
belleza y talento






Aishwarya Rai (nacida el 1 de Noviembre de 1973), también conocida por su nombre de casada Aishwarya Rai Bachchan, es una actriz india, modelo y ganadora de Miss Mundo 1994. A través de su exitosa carrera como actriz, ella se ha establecido como una de las celebridades más populares y de alto perfil en la India. Rai ha recibido varios premios, incluyendo dos premios Filmfare de diez nominaciones, y fue galardonada con el Premio Padma Shri por el Gobierno de la India en 2009. Ella ha sido citada muy a menudo como la "Mujer Más Bella Del mundo".

Mientras que en la universidad, Rai hizo un par de tareas de modelado. Después de apariciones en varios comerciales de televisión, ella entró en el Concurso Miss India, en el que se colocó en segundo lugar, Virreina o Primera Finalista. A continuación, fue coronada Miss Mundo 1994, después de lo cual comenzó a recibir ofertas para actuar en películas. Ella hizo su debut como actriz en 1997 con la película Tamil, Iruvar, protagonizada por el legendario y versátil actor, Mohanlan. Tuvo su primer lanzamiento en Bollywood en la película en Hindi Aur Pyaar Ho Gaya ese mismo año. Su primer éxito comercial fue el Drama romantico Tamil, Jeans (1998), tras lo cual logra mayor éxito y dos Premios Filmfare Por Mejor Actriz, por sus actuaciones en Hum Dil De Chuke Sanam (1999) y Devdas (2002). Ella obtuvo apreciación crítica por interpretar a la heroína Binodini, en la película bengalí Chokher Bali (2003), una mujer deprimida en la relación de drama impermeable (2004) y como Kiranjit Ahluwalia en la película dramática británica Provocado (2006). Sus Mayores éxitos comerciales han sido el romance Mohabbatein (2000), la película de aventuras Dhoom 2 (2006), el romance histórico Jodhaa Akbar (2008), y la película de ciencia ficción Enthiran (2010). También recibió elogios por interpretar a una enfermera en el drama Guzaarish (2010). Rai tomó un año sabático de actuación cinematográfica en 2010, e hizo su reaparición con el thriller Jazbaa (2015).

Rai casó con el actor Abhishek Bachchan en 2007, con quien tiene una hija. Sus papeles fuera de la pantalla incluyen funciones como embajador de la marca para varias organizaciones benéficas y campañas. Ella es una embajadora de buena voluntad para el Programa Conjunto de Naciones Unidas sobre el SIDA (ONUSIDA). En 2003, ella fue la primera actriz india que ser miembro del jurado en el Festival de Cannes.




Fuente: Wikipedia.


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Harold Lloyd




http://www.youtube.com/watch?v=bP5FYKDij18

http://www.youtube.com/watch?v=vRSvRE9g8pU


Harold Clayton Lloyd (Burchard, Nebraska; 20 de abril de 1893 - Beverly Hills, California; 8 de marzo de 1971) fue un actor estadounidense de cine, considerado uno de los más grandes cómicos de la historia del séptimo arte.

Lloyd actuó en 208 películas entre 1913 y 1947. Durante la década de los veinte fue el actor más popular y mejor pagado del universo cinematográfico. Es conocido sobre todo por las secuencias de persecución que incluían proezas físicas como trepar por los muros de altos edificios. Junto a Buster Keaton y Charlie Chaplin forma el "triunvirato" de grandes cómicos del cine mudo y, como ellos, su carrera continuó en el período sonoro.

Con ascendencia galesa por parte de padre, Harold Clayton nació en la localidad de Burchard, condado de Pawnee en Nebraska en una humilde casita que actualmente está restaurada y convertida en museo. Sus padres fueron James Darsie Clayton y Elizabeth Lloyd, de los cuales era el segundo hijo tras su hermano Gaylord nacido en 1888. Su padre, apodado "Foxy" (Astuto), era un hombre inquieto, aventurero, de fácil verborrea y algo bohemio incapaz de permanecer mucho tiempo en un mismo empleo. La madre era dominante, de principios inalterables y con cierta afición por la interpretación; el matrimonio se divorció en 1910. Durante un tiempo Harold y Gaylord vivieron alternando períodos con el uno u otro progenitor hasta quedar definitivamente al cuidado del padre. La infancia de Harold transcurrió de ciudad en ciudad (Humbolt, Beatrice, Omaha, Denver,...) debido, en buena parte, a ese espíritu "nómada" del padre. Si la infancia de Charles Chaplin fue "dickensiana", la de Lloyd puede calificarse al estilo de Tom Sawyer. Desde pequeño, Lloyd se mostró como una persona despierta, rápida de ingenio, inquieta y heredera de la pasión maternal por el teatro. Su padre lo apodó "Speedy" (Rápido).

A los doce años trabajaba como acomodador en el teatro Orpheum de Omaha donde conoce y entabla amistad con John Lane Connor, un famoso actor de la época que le ofrece debutar en el escenario realizando un pequeño papel (Abe, un niño cojo) en la obra Tess of the D´Urbervilles. Por aquel entonces su padre trabajaba para la compañía de máquinas de coser Singer, en la cual sufrió un accidente laboral por lo que fue indemnizado con la suma de 3 000 dólares, cantidad más que suficiente para que los hombres Lloyd pudieran vivir holgadamente durante una larga temporada. A la hora de elegir donde establecerse, la decisión fue tomada lanzando una moneda al aire la cual determinó que irían a San Diego. La Escuela de Teatro de esa ciudad estaba dirigida precisamente por Lane Connor, por lo que Harold pasa algún tiempo allí a la vez como estudiante y monitor, sin embargo con ese carácter aventurero heredado de su padre, Lloyd no pasaría mucho tiempo en las aulas. En ese entonces la Compañía Edison pasa por San Diego rodando un western; Connor recomendó a Lloyd para un pequeño papel como extra, se trataba de estar disfrazado de indígena piel roja y medio desnudo. Después de su brevísima formación académica emprende varias giras teatrales por pueblos de la América profunda haciendo pequeños papeles en obras como Trilby y Oliver Twist; estos meses se convertirían en una magnífica escuela. Entre los actores de la compañía teatral en la cual participaba, estaba Charlie Ruggles (posterior secundario en el cine) que constata el don innato de Lloyd para la comedia.

La gira teatral los llevó a Balboa, donde la Edison Film Company tenía unos de sus estudios. Harold aprovecha y trabaja como extra en varias cintas. Después de esto abandona para siempre el teatro para dedicarse de lleno a la actuación cinematográfica.

En 1913 consigue entrar en los enormes estudios Universal Pictures disfrazado de figurante. Su actitud positiva, carisma y gran sentido del humor, le permiten entablar amistad con J. Farrel McDonald. McDonald era el director de His Heart, His Hand, His Sword (Su corazón, su mano, su espada), típico serial de la época que tenían mucho éxito entre el público. Lloyd participó en éste y otros trabajos de McDonald. En uno de aquellos rodajes se producirá uno de los encuentros más exitosos de la historia del cine: En 1914 Harold Lloyd conoce y entabla amistad con Hal Roach, y ambos, aunque no siempre en perfecta sintonía, trabajarían juntos durante una década.


Fuente: Wikipedia.

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Arte gótico




http://www.youtube.com/watch?v=tKIXSGxI374



Arte y Arquitectura Gótica
Una nueva sensibilidad para una nueva arquitectura
El estilo gótico se desarrolla en Europa, sucediendo al románico desde la cuarta década del siglo XII hasta bien entrado el XVI.
La denominación peyorativa "gótico" fue inventada por los eruditos del Renacimiento con sentido de desprecio a un arte que consideraban bárbaro (el "arte de los godos") muy inferior en consideración al arte grecorromano.
Sin embargo fue revalorizado y exaltado en el siglo XIX por los movimientos nacionalistas y románticos europeos y en la actualidad se considera universalmente como uno de los momentos más brillante,s desde el punto de vista artístico, del mundo occidental.
Aunque el gótico sucede arquitectónicamente al románico del siglo XII, lo cierto es que ambas arquitecturas responden a principios inspiradores opuestos.
Como sostiene el gran experto Otto von Simson, con el gótico se produce una de las más radicales rupturas estilísticas que han conocido la arquitectura occidental.
La razón de tal revolución es el cambio de la mentalidad medieval sobre el conocimiento y la verdad existente. Los siglos XII y XIII contemplan la derrota del idealismo de Platón, defendido por San Agustín, que fue la base filosófica de los siglos altomedievales. Desde estas fechas, se recupera las filosofía basada en la preeminencia de los sentidos de Aristóteles, intensamente defendido por personajes de la talla de san Alberto Magno y santo Tomás Aquino.

La idea de que sólo la racionalidad humana es el único sistema de conocimiento y que las formas sensibles son sólo una apariencia engañosa de la verdad, es desplazada por la convicción de que de los sentidos son necesarios descubrir las cosas de la naturaleza, verdadera fuente de conocimiento.
Como consecuencia de este cambio de mentalidad, en el campo del arte y la arquitectura, el obstinado equilibrio simétrico y la regularidad y geometrismo del románico, son desplazados. El arquitecto ya no tiene que apegarse a formas regulares para construir (círculos y cuadrados fundamentalmente) sino que se ve libre para trabajar, no como une geómetra sino como un ingeniero. Por tanto, si en el campo de las ideas se sustituye el idealismo por el naturalismo, en el campo del arte se sustituye la inteligencia abstracta por el empirismo.

René Huyghe escribe estas bellas palabras sobre la arquitectura gótica:
"Una estética pragmática edifica monumentos donde, descartadas las superficies planas, se erizan de puntas, de calados, de proyecciones, se rompen en el juego complejo de los salientes y las aberturas, donde las líneas tropiezan, se cortan, se interseccionan con aspereza, donde todas las previsiones de la inteligencia son derrotadas por el imperioso dictado de los hechos"
En este contexto y aunque la arquitectura sigue sujeta a ciertas reglas básicas de geometría, los edificios se liberan del rigor racional anterior y a sus estructuras se les permite la vida y la espontaneidad. Como afirma Huyghe un edificio gótico puede entenderse como un organismo vivo que crece hacia el sol.
Por último, esta nueva arquitectura, utiliza este empirismo ingenieril es inventar ingeniosas soluciones tectónicas para el fin de crear espacios de gran altura y colorido. La manera del siglo XIII de simbolizar la Jerusalén Celestial es mediante la creación de un grandioso espacio de luz y color.

Fuente: http://www.arteguias.com/ gotica.htm



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Medianoche en París
Woody Allen
(Nadie está conforme en la época en la que vive e idealiza otra)



https://www.youtube.com/watch?v=vhQTYSRtFqM



Midnight in Paris (en Hispanoamérica, Medianoche en París) es una comedia cinematográfica estadounidense de 2011 ganadora del Óscar al mejor guion original, escrita y dirigida por Woody Allen, que se presentó en la apertura del Festival de Cannes de 2011. La película ha sido la más taquillera de Allen en los Estados Unidos.

La historia se desarrolla en París, y cuenta las vicisitudes de una familia en viaje de trabajo así como de la pareja protagonista, Gil Pender (Owen Wilson), un exitoso pero desilusionado guionista de Hollywood y su prometida, Inez (Rachel McAdams), que se encuentran de vacaciones. Las diferentes experiencias vividas en la ciudad por este grupo de personas darán un giro a sus vidas.



Fuente: Wikipedia.



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Curiosidades sobre Carl Sagan
Por: Sarah Romero

http://www.muyinteresante.es/ciencia/articulo/curiosidades-sobre-carl-sagan-501466071744


Carl Sagan fue un incansable divulgador científico que falleció el 20 de diciembre de 1996 a los 62 años.




Carl Sagan fue un astrónomo, astrofísico y cosmólogo, más que comprometido con la divulgación científica. Era su pasión y conseguía transmitirla en cada una de las tareas que llevaba a cabo.

Su vinculación con el programa espacial estadounidense arrancó desde sus comienzos, ya que trabajó como asesor de la NASA desde la década de 1950. Aparte de instruir a los astronautas o preparar experimentos, también fue el responsable del llamado “Disco de Oro” de las Voyager, un mensaje universal, con contenido de la Tierra y dirigido a posible vida extraterrestre, que sería enviado fuera del sistema solar con las sondas espaciales Voyager en 1977.

La serie de documentales “Cosmos: Un viaje personal” emitida en 1980 y creada y presentada por Sagan, fue todo un hito. Gracias a su sencillez y simpatía a la hora de divulgar ciencia, la serie documental acabó ganando un Premio Emmy y un Peabody y fue vista por más de 400 millones de personas de más de 60 países.

Carl Sagan ganó el Premio Pulitzer en 1978 con “Los Dragones del Edén”

La serie “Cosmos” daría lugar a un posterior libro, continuación de los 13 capítulos. Además, publicó numerosos libros y artículos en revistas y diarios. Una de sus creaciones, “Los Dragones del Edén: Especulaciones sobre la evolución de la inteligencia humana”, fue reconocida con un Premio Pulitzer en 1978.

Algunas de sus contribuciones a la astronomía fueron cruciales, como por ejemplo, para el descubrimiento de las altas temperaturas superficiales del planeta Venus.

Entre sus cargos y nombramientos, fue cofundador de la Sociedad Planetaria, editor de la Revista Icarus, miembro del Consejo de Administración del Instituto SETI, Presidente de la Sección de Astronomía de la Asociación Estadounidense para el Avance de la Ciencia o Presidente de la División de Ciencia Planetaria (DPS) de la Sociedad Astronómica Americana. Como curiosidad, ejerció de asesor en la película de Stanley Kubrick “2001: Una odisea del espacio”.

Sagan consumía —y defendía— el uso de la marihuana. De hecho, bajo el pseudónimo Mr. X, escribió un ensayo sobre este tema: “Marihuana Reconsidered” en 1971, donde exponía que el consumo de cannabis le ayudaba o inspiraba en algunos de sus proyectos o iniciativas.

Aparte de censurar a las grandes potencias por producir armamento nuclear, el astrónomo también mantuvo una oposición y crítica y muy constante contra las pseudo-ciencias.

El escritor de ciencia ficción Isaac Asimov comentó una vez que Martin Minsky y Carl Sagan eran las dos únicas personas que había conocido cuyo intelecto superaba al suyo.

Sagan falleció de neumonía en el Centro de Investigación del Cáncer Fred Hutchinson de Seattle, Washington (EE.UU.), el 20 de diciembre de 1996. Tenía 62 años.



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El caminante sobre el mar de nubes
Caspar David Friedrich




El caminante sobre el mar de nubes (en alemán, Der Wanderer über dem Nebelmeer) es un conocido cuadro del pintor romántico alemán Caspar David Friedrich. Data del año 1818. Se trata de un óleo sobre tela que mide 74.8 centímetros de ancho por 94.8 centímetros de alto. Actualmente se conserva en el museo de arte de Kunsthalle de Hamburgo (Alemania).

La obra representa a un viajero, al que se ha identificado con el propio Friedrich, que se encuentra de pie en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de nubes que queda debajo. El viajero se encuentra de espaldas. Viste de negro. Adelanta una pierna y se apoya en un bastón. Se pueden ver los picos de otras montañas saliendo entre la niebla, mientras que una cadena de enormes montañas ocupa el fondo. La gran extensión de cielo por encima de las alturas de las montañas del fondo cubre gran parte del cuadro. Se trata de un paisaje de la Suiza de Sajonia.

Esta obra de arte está creada teniendo en cuenta las convenciones de género tanto del Romanticismo como del paisaje. La obra, de esta manera, no se diferencia de otras obras de Friedrich; parecía sentirse bastante atraído con la idea de ver y experimentar la naturaleza en lugares aislados y maravillosos: al borde del mar o de lagos, en la cima de las montañas, o en lo alto de una cascada.

El estilo del cuadro logra un sentimiento de misterio que está en el romanticismo.

Utiliza una gama cromática más bien fría: negro de la figura central, marrón oscuro en las rocas y el gris y el blanco de la niebla y el cielo. Los únicos colores cálidos aparecen en el primer plano. De esta manera, con colores más cálidos en primer plano y predominantemente fríos en el fondo, logra una perspectiva cromática. Además, debido a que el primer plano es oscuro y descarnado, mientras que el fondo resulta más brillante, claro, menos incisivo, pintándose de manera más difuminada, Friedrich consigue una perspectiva aérea.

Como los demás cuadros de Caspar David Friedrich, no es un mero paisaje, sino que tiene un contenido simbólico. El hecho de que el viajero se encuentre de espaldas y no pueda vérsele la cara, ha sido objeto de análisis e interpretaciones. De esta forma el autor impide que la fisonomía del personaje anónimo distraiga la atención del paisaje. Al mismo tiempo, el no tener rostro transmite mejor la idea de la disolución del individuo en el «todo» cósmico.

Esta postura (una persona vuelta de espaldas tiene la vista puesta en un paisaje romántico) se repite en otras pinturas de Friedrich, como los Acantilados blancos en Rügen. La figura de espaldas, que está en pie como un monumento sobre un lugar elevado, atrae al espectador al interior de la pintura. La figura vuelta de espaldas desempeña en los cuadros de Friedrich un papel similar a la de análogas figuras en los cuadros de René Magritte. También Magritte trabajó con motivos únicos como con piezas de desalineamiento. Las figuras vueltas de espaldas en las que a menudo se puede reconocer a Friedrich, adoptan una posición central en sus pinturas al óleo a partir de 1807. Se ha apuntado la posibilidad (aunque es meramente eso: una hipótesis), de que, como Friedrich no dibujaba particularmente bien a las personas, su amigo Georg Friedrich Kersting, que también pintó a Caspar David en su estudio, pintase algunas figuras para los cuadros de Friedrich.

La figura vuelta de espaldas cumple una importante función como figura de identificación. Normalmente están colocados de tal manera que cubren el punto de fuga. A causa de ello, el espectador tiende a colocarse en el lugar de la figura, y de esta manera seguir también de cerca el fenómeno natural.

Las figuras no representan individuos concretos. Y la naturaleza serviría de proyección a los sentimientos del espectador.

El hecho de que el viajero se encuentre en el centro de la pintura, además, indica que está en posición de dominación. Sin embargo, el llevar un bastón, quizá para facilitarle la ascensión, apunta a cierta debilidad.

El viajero se encuentra solo. Todo indica que no hay otra presencia humana. Se percibe en el individuo aislamiento y soledad.

El caminante simbolizaría, en fin, al ser humano que concibe su vida terrena (la montaña a la que corresponde la masa rocosa en primer plano) como un preludio a la vida eterna (el mar de nubes).

La postura del caminante, con una pierna delante de otra, indicaría que domina la vida de este mundo y mira al más allá con admiración esperando que le llegue una vida eterna.

Las rocas entre la montaña en la que está el viajero y el fondo simbolizarían la fe del ser humano. Las montañas del fondo representan la vida eterna futura en el Paraíso.

El mar de nubes en sí se ha entendido también como alusión a la divinidad, estando el ser humano entre la naturaleza (la montaña del primer plano) y Dios (el mar de nubes).

Otras interpretaciones aluden a que el mar de nubes representaría la inmensidad del universo frente a la pequeñez del ser humano. El ser humano no es nada ante la naturaleza, se puede en consecuencia hacer referencia al texto les Feuilles d’automne (Las hojas de otoño) de Víctor Hugo en las que se evoca la pequeñez del ser humano frente a la naturaleza. La naturaleza se regenera, pero el ser humano es mortal. Se pretende transmitir el sentimiento de lo sublime, la impresión de magnificencia y sobrecogimiento que produce la naturaleza en toda su grandeza. El varón de espaldas parece recordar, sumido en su contemplación, a algún difunto o su propia mortalidad.

H. Zerner (1976) propuso una interpretación simbólica de los elementos: la niebla sería la imagen de las divagaciones, de la realidad escondida, la barrera entre la tierra y el cielo; las rocas, lo que los une, la imagen de la fe.

Finalmente, cabe apuntar que también se ha hecho una interpretación política y nacionalista de esa obra. En efecto, durante las guerras napoleónicas se logró cierta unificación de los estados alemanes, perdida después del Congreso de Viena Friedrich expresaría la espera de una Alemania libre y mejor. En este sentido, el caminante no sería Friedrich, sino un caído en las guerras de liberación (1813-1815). Por ser un símbolo político, viste la típica levita alemana, prohibida en 1818.



Fuente: Wikipedia.


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Thandiwe Newton
belleza y talento






Thandiwe Adjewa Newton (n. en Londres, Inglaterra, 6 de noviembre de 1972) es una actriz británica.

Nacida en Londres, de madre zimbabuense y padre inglés, Newton creció entre Londres y Zambia hasta los tres años de edad. Luego, debido a la inestabilidad política de Zambia, su familia decidió mudarse de forma permanente a Inglaterra. A los 16 años de edad, estudio danza moderna en la Tring Park School for the Perfoming Arts.

En 1990, obtuvo el papel protagonista junto a Nicole Kidman en la aclamada película de John Duigan: La primera experiencia, interpretando a una chica ugandesa aislada en una escuela de señoritas en Australia, que se enamora de un chico de un internado cercano. Tras finalizar la película, Newton volvió a Inglaterra para seguir estudiando. Obtuvo una Licenciatura en Antropología (con honores) de la Universidad de Cambridge, al tiempo que participaba en largometrajes con algunos de los directores más aclamados, tales como Neil Jordan en Entrevista con el vampiro, y con James Ivory en Jefferson en París. Newton también interpretó el papel de una cantante perturbada junto a Tupac Shakur y a Tim Roth, en la comedia dramática de Vondie Curtis-Hall: Gridlock'd. Obtuvo elogios por su papel en la película de Bernardo Bertolucci: Asediada.

También recibiría excelentes críticas, por su extremadamente original y audaz interpretación del personaje principal, en la adaptación de 1998 de Jonathan Demme de la obra de Toni Morrison: Beloved, coprotagonizada por Oprah Winfrey.

Otros de sus créditos incluyen la contemporánea película romántica de suspense de Jonathan Demme: La verdad sobre Charlie, inspirada en la película de 1963 de Stanley Donen: Charada. También participó en la película de acción de John Woo: Misión: Imposible, junto a Tom Cruise.

Para la televisión, Newton participaría en el éxito dramático de la cadena NBC: ER, junto a Noah Wyle. Este sería su debut en la televisión norteamericana.

En 2006, Newton participó en el éxito de taquilla de Gabriele Muccino: En busca de la felicidad, junto a Will Smith en el papel de la esposa de Smith, y en Norbit, la comedia de Brian Robbins, junto a Eddie Murphy.




Fuente: Wikipedia.


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Patricia Rooney Mara



Patricia Rooney Mara (Bedford, Nueva York, 17 de abril de 1985) es una actriz estadounidense. Tras realizar su début actoral en 2005, Mara fue lanzada al reconocimiento internacional en 2011 por su interpretación como Lisbeth Salander en The Girl with the Dragon Tattoo (2011), su segunda colaboración con David Fincher. Su actuación fue ampliamente reconocida y alabada, y le valió una nominación al Premio Óscar a la mejor actriz y al Globo de Oro a la mejor actriz - Drama. Tras esto, Mara ha protagonizado películas Side Effects (2013), Ain't Them Bodies Saints (2013), y papeles de reparto en las aclamadas Her (2013) y Trash (2014). En 2015 tomó uno de los papeles protagónicos en Carol, rol que le valió el Premio del Festival de Canes a la mejor interpretación femenina.

Mara es bisnieta de Timothy Mara, fundador del equipo de fútbol americano New York Giants, y de Art Rooney, fundador de los Pittsburgh Steelers. Su hermana mayor es la también actriz Kate Mara y su padre es Timothy Christopher Mara, ojeador jefe de los Giants.

Estudió en la Universidad de Nueva York en la especialidad de Psicología y política social internacional.


Fuente: Wikipedia.


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Película El escapulario
Servando González




https://www.youtube.com/watch?v=Nrsj7axpPbQ




‘El Escapulario’ nos cuenta que durante la época de la revolución mexicana, una mujer moribunda manda llamar al joven sacerdote del pueblo, ante él, ella confiesa poseer un milagroso escapulario que tiene el poder de protegerle la vida a quien lo posea. Antes de morir, la mujer le cuenta al escéptico sacerdote como el escapulario salvó la vida de sus hijos, reviviendo así, cuatro insólitas historias cruzadas.

Bajo la dirección de Servando González, La historia cobra un tinte sombrío, lleno de misticismo, en tiempos revolucionarios.

Es increíble como una película de finales de los 60´s —época del cine mexicano que se caracteriza por dejar en el pasado la llamada “época de oro”— cuente con tan buena fotografía, una excelente realización y una bellísima ambientación, que logran que ‘El Escapulario’ se vea como una grandísima producción cinematográfica.

Técnicamente, la película innovó en México, mostrando encuadres poco vistos en esa época, correcciones de color —que a la fecha en muchas casas productoras se pasa por alto—, cámaras subjetivas y elementos narrativos que lograron que el espectador sea un personaje más del mismo film.

La narración visual no tiene grandes fallas e inclusive se atreven a experimentar con tomas que pocas veces se habían utilizado en México, hasta esas fechas. En cuanto a la iluminación, el juego creado por Servando González resulta crucial para la historia.


Fuente:

http://www.reconoce.mx/el-escapulario-dando-miedo-muy-a-la-mexicana/



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