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Enrico CASTELLANI (1930)

Original artwork by Enrico Castellani; Titled: Superficie Rosa dated 1998.

Acrylic on shaped canvas signed titled and dated as also dedicated on the overlap at the back. Dimensions: 170 x 100 cm.

Provenance: Plinio de Martiis, Rome; Netta Vespignani, Rome; and Contemporary art evening auction Sotheby’s June 2017, London.

Œuvre d’art originale d’Enrico Castellani. Titrée: Superficie Rosa datée 1998.

Acrylique sur toile façonné signée, titrée et datée aussi dédié au chevauchement à l'arrière. Dimensions: 170 x 100 cm.

Provenance: Plinio de Martiis, Rome; Netta Vespignani, Rome; Et la vente aux enchères d'art contemporain Sotheby's en juin 2017, à Londres.

#painting #peinture #art #kunst #EnricoCastellani #ZeroMovement #Azimuth #Minimalisme #Minimalism #ArtContemporain #ContemporaryArt #ysebaertlouisseizearts

Enrico Castellani was born on August 4, 1930; he is one of Italy's most influential artists. He is an Italian painter associated with the zero movement and Azimuth.

Castellani contributed the development of avant-garde art in Europe in the 1950s and 1960s. Castellani was born in Castelmassa located in North-Eastern Italy. He studied sculpture at Académie Royale des Beaux-Arts in 1952 and painting at École nationale supérieure des arts visuels (La Cambre) in Brussel also architecture in 1956 at École nationale supérieure des Beaux-Arts all in in Belgium.

He is best known for his "paintings of light that merge art, space and architecture to transcend the confines of painting. In 1956 Castellani returned to Italy and met artists like Lucio Fontana and Piero Manzoni who were pushing Italian avant-garde art.

His original approach is considered fundamental for the art history of the 20th century, not only in Italy, but also on the international scene; In particular, Castellani influenced Donald Judd, who saw him as the father of minimalism.
Castellani has exhibited at the most renowned institutions in the world including the MoMA and the Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Centre Georges Pompidou, Paris; Stedelijk Museum, Amsterdam; Palais des Beaux Arts, Brussels and he has represented Italy at the Venice Biennale in 1964, 1966, 1984 and 2003. He has had retrospective exhibitions at Pushkin Museum, Moscow, Russia; Kettle's Yard in Cambridge; the Prada Foundation in Milan; The Modern and Contemporary Civic Gallery in Latina in Trento; and Palazzo Fabroni in Pistoia. Castellani was the 2010 recipient of the Praemium Imperiale for Painting, the first Italian artist ever to receive this honor.

In 1959, Enrico Castellani and Piero Manzoni founded the Milan gallery Azimut and the affiliated journal “Azimuth,” organizing international exhibitions and publishing essays that opposed the dominant art movements in Europe at the time. They wanted to announce that, although they had been involved with the then prominent movements of Abstract Expressionism and Art Informel at the beginning, they were now in a different but still radical place. They discussed the beginnings and the decline of Art informel and put forward a new objective language with the presentation of works by Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Yves Klein, Lucio Fontana and others.

The Angolare (“Angular”) series consists of 12 painted works from 1960-1965 for which Castellani fabricated corner shaped armatures that impose concave and convex curvatures on the canvas, yielding subtly disorienting perceptual and spatial effects.

Spazio Ambiente or moving beyond the spatially suggestive quality of his Angolare series, Castellani produced his first environment in 1967. Called the Ambiente Bianco (“White Environment”), the work was a spatially enclosing structure formed by interlocking canvases of geometric and angled shapes. The work was destroyed following its exhibition.
In 1970 Castellani reconstructed the environment, adding a floor and ceiling, and reintroduced it as Spazio Ambiente (“Environment Space”) in the landmark exhibition “Vitality of the Negative in Italian Art 1960/70” at Rome’s Palazzo delle Esposizioni. Spazio Ambiente is a 360-degree painting executed in a translucent white acrylic that produces a luminescent and transcendental optical effect.

Castellani demonstrates the power of abstract painting to transform space and encompass the viewer. Together the Angolare works and Spazio Ambiente articulate Castellani’s determination to produce unprecedented and dynamic spatial experiences while using the traditional canvas.

Castellani focuses on manipulating the surface configurations of his canvases to alter perceptions of space. He produces monochromatic pieces rendered dynamic by the action of disturbing elements: nails. Indeed, behind a canvas stretched over a wood frame, Castellani places nails that raise or lower the canvas and so create an interplay of light and shadow

#biography Wikipedia
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Enrico Castellani est né le 4 août 1930 à Castelmassa. Il est un des artistes les plus influents d'Italie. Il est un peintre italien associé au mouvement zéro et Azimuth.

Né dans la province de Rovigo, Enrico Castellani étude l'art, la sculpture et l'architecture en Belgique jusqu'en 1956, année où il obtient son diplôme à l’École nationale supérieure des beaux-arts. (École nationale supérieure des arts visuels (La Cambre) à Bruxelles et l’architecture en 1956 at École nationale supérieure des Beaux-Arts, Belgique).

L’année suivante il retourne en Italie et, en s’installant à Milan, devient représentant actif de la nouvelle scène artistique.
Il collabore avec Piero Manzoni, avec qui il constitue une association artistique jugée très étrange pour les critiques de l’époque qui étaient intrigués par la contradiction entre leurs personnalités : Manzoni était volcanique, dissipé et gai, et Castellani, sérieux, distingué et réfléchi. Castellani se lie aussi avec Agostino Bonalumi et Lucio Fontana.

Après les premières expériences à caractère informel, inspirées par l’action painting américaine et surtout par Mark Tobey, en reconnaissant ce type d’art mûr pour un dépassement, il élabore avec la collaboration de la revue Azimuth, fondée par lui-même et Manzoni, un nouveau début qui propose une mise à zéro totale de l’expérience artistique précédente, fondé sur un nouveau pacte avec le progrès social.

Cette remise à zéro est réalisée par Manzoni, Castellani et Bonalumi par l’utilisation des toiles monochromes (souvent complètement blanches) extra-fléchies par les différentes techniques de sorte que cela produise des effets de lumières et ombres changeantes par rapport à l’inclinaison de la source de lumière. Il s’agissait d’une expérience absolument originale et considérée fondamentale dans l’histoire du XXe siècle, non seulement en ce qui concerne la scène italienne mais aussi et surtout dans celle internationale. En effet son écho a influencé et inspiré Donald Judd qui, dans un article du 1966, a défini Castellani père du minimalisme.

Si Piero Manzoni choisit pour ses matériels préférés le kaolin et le coton pour réaliser ses célèbres Achromes, Castellani et Agostino Bonalumi commencèrent un parcours d’étude et d’analyse très rigoureux sur les possibilités fournies par l’extra-flexion de la toile au moyen de l’utilisation des clous, de la cambrure et des silhouettes en bois et en métal insérées derrière la toile.

C’est en 1959 que Castellani réalise sa première surface en relief, en inaugurant une poétique qui sera son chiffre stylistique constant et rigoureux, et par ça, il définit ce que la critique a appelé « répétition différente », considérée par beaucoup comme une technique d’une extrême pureté où la répétition soigneusement choisi des pleins et des vides, donnée par les extra-flexions rythmiques de la toile, constitue un parcours toujours nouveau.

Depuis lors son chemin continue à se développer dans le milieu de l’extra-flexion, mais dans sa cohérente production on peut trouver plusieurs œuvres qui s’écartent nettement des surfaces en relief, en révélant beaucoup sur les thèmes les plus chers à Castellani comme le temps, le rythme et l’espace.
Même dans ces rares œuvres sur papier il a réussi à réaliser son style très personnel des extra-flexions rythmiques.

En 1967, il réalise Ambiente bianco pour l’exposition Lo spazio dell’immagine au palais Trinci, à Foligno. En 1968, à l’occasion de Il teatro delle mostre, à la galerie La Tartaruga à Rome, on présente Il muro del tempo. En 1969 Castellani réalise Spartito et en 1970 Obelisco. Depuis son début jusqu’aujourd’hui plusieurs expositions se succèdent dans des espaces publics et privés.
Castellani participe à la Biennale de Venise en 1964, en 1966 (avec une salle personnelle), en 1984 et en 2003.

En 1965, il participe à l’exposition collective The Resonsive Eye au musée MoMa à New Yorket à la VIIIe Biennale de San Paolo au Brésil. En 1970, il prend part à l’exposition collective Vitalità del negativo nell’arte italiana, organisée par Achille Bonito Oliva au Palazzo delle Esposizioni à Rome. En 1981, il participe à Identité italienne. L’art en Italie depuis 1959, coordonnée par Germano Celant au Centre Pompidou à Paris et en 1983 il se trouve à Palazzo Reale à Milan pour l’exposition Arte programmata e cinetica 1953-63. En 1994, il est invité à l’exposition The italian metamorphosis au musée Solomon R. Guggenheim à New York.

Parmi les expositions les plus récentes, on peut rappeler les expositions personnelles à la Galleria Lia Rumma à Milan en 1999 et à la Galleria Fumagalli à Bergame en 1997 et en 2001. En 2001 Castellani est invité aux expositions collectives Materia/Niente, organisée par Luca Massimo Barbero, à la Fondazione Bevilacqua La Masa à Venise et à Belvedere italiano-Linee di tendenza nell’arte contemporanea 1945/2001, dirigée par Achille Bonito Oliva, au Centre for Contemporary Art à Varsovie. Une importante exposition anthologique a été préparée par la Fondation Prada à Milan, avec la collaboration de Germano Celant, et à Kettle’s Yard à Cambridge en 2002, la même année où il présente son travail aussi à la Galleria de Franca Mancini à Pesaro et à celle de Greta Meert à Bruxelles.

En 2004, il expose à Paris à la galerie Di Meo et en 2005, au musée des beaux-arts Pouchkine, à Moscou, une exposition est préparée avec la collaboration de Bruno Corà. En 2006, il montre ses œuvres à la galerie Lia Rumma à Naples et à l’Auditorium à Rome. En 2009 beaucoup d’œuvres récentes avec un gros noyau de productions historiques sont proposées par Haunch of Venison à New York dans une exposition organisée par Adachiara Zevi, tandis que dans le siège de Londres de la même galerie les œuvres de Castellani sont exposées en relation avec celles-ci de Dan Flavin, Donald Judd et Günther Uecker. Le 13 octobre 2010 il a reçu par le prince Hitachi, patron honoraire de la Japan Art Association, le Praemium Imperiale pour la peinture, la plus haute reconnaissance artistique au niveau international.

En 2011, la galerie Tornabuoni Art à Paris lui consacre une rétrospective incluant une quarantaine d’œuvres créées entre 1958 et 2008.

#biographie
Wikipédia et ajouts Yoannick Ysebaert
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#Collections #collection #artsysebaertlouisseize & #yoannickysebaert

ART MinimaL ART – Monochromes - Minimalisme - Minimalism - Minimalists – Minimalistes
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Contemporary Art - Digital, installations, Objects - Art Contemporain, Numérique, installations, Objets
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Contemporary & conceptual Art
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Pink color in ART
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Robert BARRY (1936)

Original artwork on paper by Robert Barry; Untitled 1989.

Acrylic on paper signed and dated on the reverse. Dimension: 66.5 x 66 cm.

Provenance: Galerie Yvon Lambert, Paris
Philippe Rizzo Collection, Paris
Exhibitions: Paris, Galery Yvon Lambert, "Robert Barry", March-April 1989

Œuvre d’art originale sur papier de Robert Barry. Sans titre 1989.

Acrylique sur papier signé et datée au verso. Dimension : 66,5 x 66 cm.

Provenance : Galerie Yvon Lambert, Paris
Collection Philippe Rizzo, Paris
Expositions : Paris, Galery Yvon Lambert, "Robert Barry", mars-avril 1989

#ArtonPaper #ArtsurPapier #art #kunst #ArtContemporain #ArtMinimal #MinimalArt #ContemporaryArt #RobertBarry #ConceptualArt #ArtConceptuel

Robert Barry is born on March 9, 1936 in the Bronx, New York; he is an American artist. Since 1967, Barry has produced non-material works of art, installations, and performance art using a variety of otherwise invisible media. In 1968, Robert Barry is quoted as saying ‘’Nothing seems to me the most potent thing in the world’’

Barry was born and grew up in The Bronx. A graduate of Hunter College, he studied there under artists William Baziotes and Robert Motherwell, later joining the college's faculty. Barry moved to Teaneck, New Jersey in 1974, with his wife and two sons.

Barry's work focuses on escaping the previously known physical limits of the art object in order to express the unknown or unperceived. Consequently, Barry has explored a number of different avenues toward defining the usually unseen space around objects, rather than producing the objects themselves.

Major nonvisible works from his early period include Carrier Wave, in which Barry used the carrier waves of a radio station for a prescribed length of time "not as a means of transmitting information, but rather as an object.", Radiation Piece, and Inert Gas Piece, in which Barry opened various containers of inert gases in different settings before groups of spectators, such as a canister of helium released in a desert.

When asked about his piece for exhibition "Prospect '69," his response was "The piece consists of the ideas that people will have from reading this interview... The piece in its entirety is unknowable because it exists in the mind of so many people. Each person can really know that part which is in his own mind.
Barry's work has been shown in international events such as the Paris Biennale (1971), Documenta, Kassel (1972), and the Venice Biennale (1972).

#biography
Wikipedia
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Robert Barry est un artiste américain né à New York en 1936 et représentant de l'art conceptuel.

Robert Barry participe depuis les années 1960 aux principales expositions d'art conceptuel. Ses œuvres consistent en des installations ou des performances.
Il s'est intéressé aux phénomènes physiques, les champs électromagnétiques, les gaz inertes, les fréquences électromagnétiques d'ultrasons (Inert Gas Series, 1969).

En 1969, il organise une exposition qui consiste à fermer la galerie pendant la durée de l'exposition afin de montrer que l'art n'est pas quelque chose que l'on peut montrer entre des murs, mais qu'il est quelque chose d'invisible.
Barry travaille actuellement sur des œuvres composées de mots utilisés comme matériaux sur divers supports et sous diverses formes.

Wikipédia
#biographie
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Gotthard GRAUBNER (1930 – 2013)

Original artwork by Gotthard Graubner; Untitled (mono color space body) created between 1990 and 1996.

Mixed media with Acrylic on canvas over synthetic Wad on nettle fibers signed and dated as well as with direction instructions on verso of the canvas, (arrow).Dimension: 165 x 155 x 17 cm.

Provenance: Galerie Karsten Greve, Cologne; Private collection, Southern Germany.

Œuvre d’art original de Gotthard Graubner. Sans titre (corps de l'espace mono chrome) créée entre 1990 et 1996.

Technique mixte avec acrylique sur toile par dessus de la ouate de coton synthétique de fibres d’ortie signée au verso sur la toile et datée et désignée par une flèche avec instruction. Dimension: 165 x 155 x 17 cm.

Provenance: Galerie Karsten Greve, Cologne; Collection privée, Sud de l'Allemagne.

#techniquemixte #mixedmedia #acrylic #acrylique #art #kunst #artmonochrome #monochrome #ArtMinimaliste #MinimalistArt #ContemporaryArt #ArtContemporain #GotthardGraubner #ZeroGroup

Gotthard Graubner born on 3 June 1930 and died on 24 May 2013; he was a German painter, born in Erlbach, in Saxony, Germany.
Graubner was born in 1930 in Erlbach, Saxony, Germany. From 1947 to 1948 he studied at the Academy of Arts, Berlin, and from 1948 to 1949 at the Academy of Arts, Dresden, where he was a student of Wilhelm Rudolph. When his professor had to leave the Dresden academy for ideological reasons, Graubner was on his side and therefore ex matriculated.
In 1954 he left East Germany.
From 1954 to 1959, Graubner studied painting at the Kunstakademie Düsseldorf, where he was first a student of Otto Pankok with Günther Uecker and Bert Gerresheim becoming his classmates. Later he became a master pupil of Georg Meistermann. In 1959, when Meistermann left the Academy, Graubner became one of Karl Otto Götz's first students, his classmates being HA Schult, who also studied under Meistermann, and Kuno Gonschior. The importance of such classmates is emphasized by the compart article on Götz, which states that a large number of later famous artists came out of Götz’ class at the Kunstakademie Düsseldorf (1959-1979): among them Kuno Gonschior, Gotthard Graubner, Sigmar Polke, Gerhard Richter, Manfred Kuttner, Rissa (later his wife), HA Schult.
In 1959, Graubner left the academy. Shortly before leaving it, he came into contact with Otto Piene and Heinz Mack, the founders of the Zero group, for some years, Graubner worked, with Mack, as an art teacher at the Lessing Gymnasium, Düsseldorf.
In 1965 he was appointed at the Academy of Fine Arts, Hamburg, where he became Professor of Painting in 1969. From 1976 to 1992 he holds a professorship at the Academy of Fine Arts, Düsseldorf.
In 1988 the Federal President of Germany ordered two works from Graubner. The artist was also commissioned to create a cushion picture for the German Bundestag. In 1996 he became a member of the Saxon Academy of Arts, Dresden. After his retirement, Graubner lived and worked in Düsseldorf-Oberkassel, where he had his studio. The last years of his life he spent on the island of the Museum Insel Hombroich, Neuss, near Düsseldorf.
Gotthard Graubner was awarded the August Macke Prize of the city of Meschede in 1987 and the North German Art Prize in 1988. In 2001, he was awarded the Otto Ritschl Prize that honours a life's work in colour painting.

#biography
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Graubner's art is characterised by his unique philosophy and the use of color in his work. He began developing his own style in 1959, while he studied under K.O. Götz. Before that, Graubner's work had been characterised by using color sparingly, in shapes and on the edges of the canvas, but, from 1955 onwards, he had already experimented with different approaches towards color, at first with watercolor and later on canvas. Instead of focusing on shapes, he began to use color lavishly.
About 1960, the artist produced flat panel paintings with surfaces built up of differentiated nebulous color formations, the application of color in layers of varying degrees of transparency opening up the picture surface, producing a color formation of indefinite depth comparable to the paintings of Mark Rothko.
In the 1960s, Graubner mounted picture-size colored cushions onto his paintings and used Perlon fabric in an attempt to enhance the spatial effect of color surfaces. These works were displayed in Alfred Schmela's gallery in Düsseldorf. Between 1968 and 1972 he did what he called "Nebelräume" ("Fog Spaces").

Graubner never allowed his style to be dictated by the current fashions or trends. He developed his own style of using color as the medium through which his work announced itself, allowing it to work independently of any connection to any kind of representation or theme. According to Helga Meister, his works have sensibility, feeling and meditative force. However, his paintings are only at first glance monochrome; as a closer look reveals, they are in fact polychrome. They "breathe"; they live; their colors, even though fixed on canvas, have movement that stirs the imagination as much as his "fog-spaces" of the sixties, in which he continued the romantic tradition of Caspar David Friedrich.

Moreover, his "color-space bodies" ("Farbraumkörper") have been described by art historian Max Imdahl as "picture-objects" in which "color-space and body, intangible vision and tangible facticity cooperate in a special interrelationship."

Graubner explains the genesis of his painting as an "intermediate" between Caspar David Friedrich and J.M.W. Turner.
According to art historian Werner Hofmann (who had Friedrich's "The Monk by the Sea" in mind), both Graubner and Friedrich created an aesthetics of monotony as a counterpart to the aesthetics of variety that was predominant before the nineteenth century. Graubner also saw his own work in the tradition of old masters such as Matthias Grünewald, Titian, El Greco and Paul Cézanne.
Berke Inel considers Graubner's "original use of the color-light-space triad" as the "unique aspect" of his work: "The artist presents color to the audience as though it were a landscape," and he always pays attention to detail. "While he does not use specific shapes, he uses color shades and the warm-cold balances and contrasts very well." His artworks have "no specific topic and theory" and represent "a research into color and a 'tone in tone' approach.

#ArtHistory
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German text
Gotthard Graubner hat sich zeit seines Lebens der reinen Kraft der Farbe gewidmet. Beharrlich schuf er monochrome, abstrakte Kompositionen und verfolgte konsequent sein künstlerisches Anliegen, Malerei im wahren Sinne des Wortes zu verkörpern. Um 1970 hat Graubner begonnen, seine Bildträger aufzupolstern. In zahlreichen feinen Schichten, die teils vom dick wattierten Untergrund aufgesogen werden, trug der Maler die Farbe auf. Die Farbpigmente der einzelnen Schichten verdichten sich zunehmend, immer feinere Farbnuancen entstehen. Ein faszinierendes, gleichzeitiges Changieren und Vibrieren der Oberfläche schlägt den Betrachter in Bann. Graubner gelingen Kompositionen mit einzigartiger Tiefenwirkung. Die Malerei weitet sich ins Räumliche und überwindet die Zweidimensionalität der Leinwand. Tritt man ihnen gegenüber, strahlen die Farbraumkörper eine große Ruhe aus und wirken ausgesprochen kontemplativ. Anfangs spricht der Künstler von diesen Werken als Farbleiber, später bezeichnet er sie als „Farbraumkörper“. Sie sind Ausdruck von Graubners zentraler künstlerischer Idee: Einerseits das Bild als physischer Körper und andererseits der Malerei, gedacht als lebendiger Organismus.

German text notes: came with artwork (nr: 1398.0)
More in German
https://de.wikipedia.org/wiki/Gotthard_Graubner

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Gotthard Graubner né le 13 juin 1930 à Erlbach et mort le 24 mai 2013 à Neuss, il est un peintre allemand.

Le travail de Graubner génère une impression de vitalité et de concentration du mouvement de la couleur répondant à l'énergie du volume. Dans les années 1960, il commence à intégrer des coussins de couleur dans ses tableaux, les plaçant sous la toile et les recouvrant de tissus Perlon, le Farbraumkörper. Il s'agit d'une tentative visant à améliorer les effets spatiaux des surfaces de couleur. La couleur était le medium du travail en soi.
Sa façon unique de réaliser permet à son art d'être indépendant de tout lien avec n'importe quel type de représentation ou de thème. La couleur n'identifie pas les objets: elle n'est pas liée à la forme, mais elle essaie plutôt d'éliminer l'apparence. Graubner crée un espace imaginaire où les surfaces intérieures, en contraste avec la toile de fond, prennent forme comme si elles étaient en apesanteur. L'historien d'art allemand Max Imdahl explique que «Farbraumkörper» ou «corps-couleur-espace» sont des espaces de sensation. En contraste total avec la perspective centrale linéaire et scientifiquement construite, leur spatialité ne peut pas être mesurée et défie toutes les tentatives du spectateur d'en acquérir une maîtrise rationnelle. Avec la couleur comme une réalité visuelle immédiate qui libère le spectateur des mécanismes préconfigurés et pragmatiquement dictées par des comportements et des corps comme objets sont maintenant investi d'esprit.

Source Texte Anglais Galerie Axel Vervoordt
Traduction #yoannickysebaert #curateur et #commissionnaire pour #ysebaertlouisseizearts
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Etienne Van DOORSLAER (1925 - 2013) - Maur-Etienne Van Doorslaer

Original artwork by Maur-Etienne Van Doorslaer; Untitled dated 2003.

Oil on canvas signed and dated on the back. Dimension: 86.5 x 70 cm.

Œuvre d’art originale de Maur-Etienne Van Doorselaer. Sans titre datée 2003.

Huile sur toile signée et datée au dos. Dimension: 86,5 x 70 cm.

#painting #peinture #art #kunst #EtienneVanDoorslaer #monochrome #GeometricAbstract #AbstraitGéométrique #ArtMinimaliste #MinimalArt #AbstractMonochrome #MonochromeAbstrait

Etienne Van Doorslaer grew up with three brothers and three sisters in a family of farmers and flower growers.
Beginning in 1942, he spent seven years studying in the Decorative Arts Department of Sint-Lucasinstituut in Ghent, where he drew, sketched, painted and studied architecture and sculpture. In 1951, he entered the Monastery of Sint Andries in Bruges, Belgium, which is the motherhouse of St. Andrew’s Abbey in Valyermo. As a monk he studied Philosophy and Theology in preparation for his ordination in 1958.
Maur was sent to Paris in 1959 and studied pastoral work from 1960 to 1961. There he visited many galleries and exhibitions and kept abreast of the trends of the modern art world.
He was especially interested in non-figurative art including Geometric Constructivism, the Lyrical Abstraction of the Ecole de Paris and Abstract Expressionism. He shares a kindred spirit and friendship with many modern artists including Alberto Magnelli, Dan van Severen (who was his classmate at Sint-Lucasinstitut and borrowed his studio for 10 months in 1965), Jef Boudens and Arno Brys. The art of Jackson Pollock and Paul Klee stongly influenced his early works, as did the strict geometric order of August Herbin and Frank Stella and the dark monochromes of Ad Reinhardt.

#biography
Source or Text by Ronny Van De Velde
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Peintre et dessinateur relevant de l'art abstrait et minimaliste. Études d'arts décoratifs à Saint-Luc à Gand de 1943 à 49. Bénédictin à l'abbaye de Brugge-Sint-Andries depuis 1952. Travaille durant l'été au prieuré Saint-Andrews à Valyermo en Californie.
Subit l'influence d'Alberto Magnelli et de Dan Van Severen. Participe à la mouvance constructiviste au sein du cercle Plus à Gand de 1966 à 71. Art méditatif, épuré, aux formes et aux couleurs sobres, partant d'une base géométrique recouverte de plusieurs couches de pâte blanche, le blanc omniprésent étant sa couleur préférée pour exprimer la thématique centrale de son œuvre: la lumière.
Œuvres aux Musées de Gand (SMAK) et d'Ostende (MPAM). Rétrospective, en compagnie de B. Sercu et J. Parmentier, au Centre culturel De Spil à Roulers en 2002.

#biographie
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#collections #ysebaertlouisseizearts & #yoannickysebaert

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Art Construit - Geometric abstract
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Artworks for Sale - Œuvres d'arts à Vendre & Expo
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Sanghwa CHUNG (1932)Sang Hwa CHUNG

Original artwork by Sanghwa Chung; Untitled, dated 1979.

Ink washed on cut and partly cracked cardboard signed and dated lower right in white pencil and on the reverse signed and dated in ink as well as annotated in Korean. Dimension: 65 x 50 cm.

Provenance: Purchased and acquired exhibition 1980.
Exhibition: Chung-Sang Hwa Painting & Drawings. (Kunstfreunde) Circle of art friends in Erftkreis. Rhein-Erftkreis.

Œuvre d’art originale de Sanghwa Chung. Sans titre datée 1979.

Encre, Lavis sur carton coupé et partiellement fêlé et craquelé signée et datée en bas à droite au crayon blanc et au verso signée et datée à l'encre ainsi que d’inscriptions en coréen. Dimensions: 65 x 50 cm.

Provenance: Acquis à l'exposition de 1980.
Exposition: Chung Sang Hwa Peintures et dessins. Cercle d’amis arts à Erftkreis. Rhein-Erftkreis.

#mixedmedia #techniquemixte #art #kunst #minimalist #minimaliste #Dansaekhwa #monochrome #SanghwaChung #SangHwaChung #ysebaertlouisseizearts

Chung Sanghwa is born 1932, in Yeongdeok County, North Gyeongsang, Korea; he is a South Korean minimalist and Dansaekhwa (monochromatic) painter. After receiving his BFA from College of Fine Arts in Seoul National University in 1956, Chung briefly moved to Paris in 1967.
Coming from a generation of post-war artists, Chung's reductive process of painting consists of repetitive application and removal of the paint on canvas. Chung held national and international exhibitions: From all sides: Tansakhwa on Abstraction at Blum & Poe Gallery in Los Angeles. In 2015, Chung Sanghwa's paintings were included in Frieze New York Art Fair, represented by Gallery Hyundai. Gallery Hyundai (Seoul, Korea) has organized more than 25 of Chung's exhibitions, including 9 solo shows since 1983.
Chung's works are in permanent collection of the Samsung Leeum Museum of Art, the Seoul Museum of Art in Seoul, the National Museum of Modern Art in Tokyo, the Shizuoka Prefectural Museum of Art and the Fukuoka Asian Art Museum.

#biography Wiki
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Chung Sanghwa est né en 1932, dans le comté de Yeongdeok, dans le nord de Gyeongsang, en Corée.
Après avoir reçu son baccalauréat en arts du Collège des beaux-arts de l'Université nationale de Séoul en 1956, Chung s'installa brièvement à Paris en 1967.
Sanghwa Chung est un Minimaliste coréen et est considéré comme le maître des "Dansaekhwa", un mouvement artistique monochromatique coréen. Les œuvres de Chung apparaissent à première vue comme une peinture en noir et ou en blanc.
Mais il s,agit pas d’un peinture monochrome des surfaces et de couleur uniforme classique, mais l'effet de la couleur est réduite jusqu'à présenter dans chaque élément de la structure de l'arrière-plan qui devient ainsi visible, d'autre part en superposèrent des multicouche et d’élément structurel de manière dynamique (passivité, l'activité) il produit donc un effet mosaïque dans un ordre reconnaissable.

#biographie
Une partie (Selon texte par OG Altena, voir exposition Catalogue 1980) et traductions #yoannickysebaert #curateur #commissionnaire #consulteur et #évaluateur Ysebaert Louisseize Arts.

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#collections

Contemporary Art - Digital, installations, Objects - Art Contemporain, Numérique, installations, Objets.
https://plus.google.com/u/0/b/100945448540969585096/collection/0RJOaB

Kinetic Art - Op Art – Art Cinétique - Art optique - optical art
https://plus.google.com/u/0/b/100945448540969585096/collection/IEhZaB

ART MinimaL ART – Monochromes - Minimalisme - Minimalism - Minimalists – Minimalistes
https://plus.google.com/u/0/b/100945448540969585096/collection/Myd_aB

Art Construit - Geometric abstract.
https://plus.google.com/u/0/b/100945448540969585096/collection/42TRb


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CRISTO (1935) - Christo Vladimirov Javacheff

Multiple; original object and assembly by Christo. Titled: Packed Book

Object wrapped and nested in black case signed and numbered on the bottom left of the object. Edition of 100 signed and numbered copies. (In his original case). Dimension: 50 x 50 cm.

Multiple; objets assemblage originale de Christo. Titrée: Livre emballé

Objet emballer et emboité signé et numéroté sur l’objet bas gauche. Édition de 100 exemplaires signés et numérotés. (Sous son emboitage d’origine) Dimension : 50 x 50 cm.

#assemblage #object #objet #art #kunst #multiple #contemporaryart #artcontemporain #artminimaliste #minimalistart #newrealism #nouveauréalisme #monochrome #Christo #ChristoVladimirovJavacheff #ysebaertlouisseizearts

Christo was born in Gabrovo, Bulgaria. His father, Vladimir Javacheff, was a businessman and ran a fabric factory, and his mother, Tsveta Dimitrova, was the secretary at the Academy of Fine Arts in Sofia. Professors from the Academy who visited his family observed Christo's artistic talent while he was still of a very young age.
Christo studied art at the Sofia Academy from 1953 to 1956 and went to Prague, Czechoslovakia (now Czech Republic), until 1957, when he left for the West by bribing a railway official and stowing away with several other individuals on board a train transporting medicine and medical supplies to Austria.
Christo quickly settled in Vienna and enrolled at the Vienna Academy of Fine Arts. After only one semester there, he traveled to Geneva and moved to Paris in 1958. As a result of his flight, he lost his Bulgarian citizenship and became a stateless person. His life in Paris was characterized by financial hardship and social isolation, which was worsened by his difficulty learning the French language. He earned money by painting portraits, which he likened to prostitution and signed with his family name "Javachef" while his early works were signed "Christo".
Christo and Jeanne-Claude met in October 1958, when he was commissioned to paint a portrait of her mother, Précilda de Guillebon. Initially, Christo was attracted to Jeanne-Claude's half-sister, Joyce. Jeanne-Claude was engaged to Philippe Planchon. Shortly before her wedding, Jeanne-Claude became pregnant by Christo. Although she married Planchon, Jeanne-Claude left him immediately after their honeymoon. Christo and Jeanne-Claude's son, Cyril, was born 11 May 1960. Jeanne-Claude's parents were displeased with the relationship, particularly because of Christo's refugee status, and temporarily estranged themselves from their daughter.
In 1961, Christo and Jeanne-Claude covered barrels at the port of Cologne, their first collaboration. In 1962, the couple tackled their first monumental project, Rideau de Fer (Iron Curtain). Without consent of authorities and as a statement against the Berlin Wall, they blocked off Rue Visconti, a small street near the River Seine, with oil barrels. Jeanne-Claude stalled approaching police, persuading them to allow the piece to stand for a few hours. Although he was simultaneously holding his first exhibition at a gallery, it was the Visconti project that made Christo and Jeanne-Claude known in Paris.
In February 1964, Christo and Jeanne-Claude arrived in New York City. After a brief return to Europe, they settled in the United States in September of that year. Although poor and lacking fluency in the English language, Christo displayed his work in several galleries, including the well-known Castelli Gallery in New York and Gallery Schmela in Düsseldorf, Germany. Christo began to create storefronts, which he built to scale. Sale of the storefronts helped finance larger projects.

Wiki #biography
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Né en Bulgarie, Christo Vladimirov Javacheff arrive à Paris en 1958. Il y rencontre et épouse Jeanne-Claude de Guillebon avec qui il fera œuvre commune.
Christo et Jeanne-Claude réalisent des empaquetages sur le port de Cologne.
A Paris, en 1962, ils assemblent plus de 200 barils d'huile et d'essence pour exprimer leur refus du mur de Berlin.Comme César, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle et Gérard Deschamps avant lui, Christo rejoint le groupe des nouveaux réalistes en 1963.
Ils s'installent à New York en 1964 et adoptent la nationalité américaine. Ils continuent de pratiquer l'empaquetage comme symbole de prise de possession de l'espace et de l'éphémère en tant que dimension esthétique. Les artistes considèrent procurer "une dimension sculpturale nouvelle" aux monuments qu'ils s'approprient, drapent, découpent et colorient.
Leurs œuvres sont signées Christo jusqu'en 1994, date à partir de laquelle apparaît le nom de Jeanne-Claude.
«Nos projets sont des œuvres d'art in situ, ce ne sont pas des objets transportables. D'habitude une sculpture normale, qu'elle soit classique ou moderne, a son propre espace physique. D'une certaine façon cet espace appartient à la sculpture car il a été préparé pour elle. Nos projets touchent une sensibilité plus vaste, en fait ils s'approprient ou empruntent des espaces qui habituellement n'appartiennent pas à la sculpture.»
Monuments emballés : Musée d'art contemporain, Chicago (1969) - Leonard de Vinci, Piazza Scala, Milan (1970) - Pont-Neuf, Paris (1985) - Reichstag, Berlin (1995)

#biographie #ysebaertlouisseizearts & #yoannickysebaert
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#Collection

Contemporary Art - Digital, installations, Objects - Art Contemporain, Numérique, installations, Objets
https://plus.google.com/u/0/b/100945448540969585096/collection/0RJOaB

ART MinimaL ART – Monochromes - Minimalisme - Minimalism - Minimalists – Minimalistes
https://plus.google.com/u/0/b/100945448540969585096/collection/Myd_aB

Sculptures - Sculpturen - Esculturas – Скульптуры
https://plus.google.com/u/0/b/100945448540969585096/collection/QvYWb

Wit-White-Blanc-ART-Bianco-Blanco-Weiß-белый
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ART-Schwarz-Black-Zwart-Noir-Negro-Nero-черный
https://plus.google.com/u/0/collection/Eo_4e


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Hector RIGEL (1957)Hector Rigelci

Original artwork by Hector Rigel. Titled: Red Surface 49 created in 2015.

Acro-vinyl paint on everted canvas signed on the back. Size: 62 x 46 cm .

Œuvre d’art originale d’Hector Rigel. Titrée: Surface rouge 49 crée en 2015.

Peinture acro-vinyle sur toile éversée signée au dos. Dimension: 62 x 46 cm.

#peinture #painting #art #kunst #abstractart #artabstrait #artcontemporain #contemporaryart #spatialart #artspatial #HectorRigel #estroflessione #spatialism #monochrome

He is an Italian contemporary artist born in 1957 in Rome.
The estroflesse paintings by Hector have a refinement that is second to none; forms that transfer the feeling of soft and light, shapes, above all, Hector Rigelci enable us to understand the great creative force of an artist unrivaled in its ability to shape at will matter, as if it were soft wax.

#biography
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Peintre italien contemporain ne à Rome en 1957.
Les peintures estroflesse par Hector ont un raffinement qui est incomparable, des formes qui transfèrent le sentiment de formes douces et légères, surtout, Hector Rigelci nous permettra de comprendre la grande force créatrice d'un artiste incomparable dans sa capacité à façonner à volonté la matière, comme si elle était la cire molle.

#biographie
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Expositions / Exhibits : 2012 Arezzo Italia - ExpoArte - Fiera Arezzo; 2012 Reggio Emilia Italia - Immagina arte in Fiera: 2013 Mentana Italia A La Salida Galleria Borghese.

#ninibiography #minibiographie
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!!! Note: The term estroflessione or ‘’Estoflesse’’ - often used in Italy as a synonym for shaped canvas. It indicates a particular consisting artistic form of expression in creating a spatial expansion towards the outside of the canvas, mostly monocromatica via specific technical measures. It’s a game determined by light and shadow, which often gives the work a kinetic illusion.
This is an art form poised between painting and sculpture and it began to spread in Europe (especially in the UK with Richard Smith and in Italy with Castellani and Bonalumi); in the USA with Frank Stella from the mid-60s and it grew mainly due to the neo-avant-garde of minimal art born in New York around 1966 also called ‘’Top Art ‘’.
Among the major artists in Italy that have used this technical specification, which is seen in the series as "the hunchback" by Alberto Burri and Lucio Fontana in Spatialism a significant anticipazione; we have to remember: Enrico Castellani, Agostino Bonalumi, Luigi Malice also.

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!!! Note: Le terme ‘’estroflessione’’ est souvent utilisé en Italie comme synonyme pour une toile embossée en forme 3D, cela indique une forme artistique d'expression particulière, composé dans la création d'une expansion spatiale vers l'extérieur de la toile via des mesures techniques spécifiques, la plupart du temps elles sont monocromatiques. C’est un jeu déterminé par la lumière et l’ombre, qui donne souvent une illusion cinétique.
Donc, ceci est une forme d'art en équilibre entre la peinture et la sculpture et a commencé à se répandre en Europe (en particulier au Royaume-Uni avec Richard Smith et en l'Italie avec Castellani et Bonalumi); aux Etats-Unis surtous avec Frank Stella depuis le milieu des années 60 et est principalement en raison de la vogue néo-avant-garde de l'art minimal né à New York vers 1966 appelé Top art. Parmi les grands artistes en Italie qui ont utilisé cette technique spécifique qu’on voit dans la série des "bossu" par Alberto Burri et Lucio Fontana dans ses Spatialismes et les anticipazione importantes tel que les Enrico Castellani, Agostino Bonalumi, Luigi Malice.

#yoannickysebaert #curator #curateur #ysebaertlouisseizearts
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#collections
ART-Red-Rouge-Rood-Rojo-Rosso-Rote-красный
https://plus.google.com/u/0/collection/ICiqe

ART MinimaL ART – Monochromes - Minimalisme - Minimalism - Minimalists – Minimalistes
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Kinetic Art - Op Art – Art Cinétique - art optique - optical art
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Yves KLEIN (1928-1962) & Werner RUHNAU (1922-2015)

Collective multiple by Klein and Ruhnau. Titled: Monochrome blue.

Plaster with blue pigment in a Perspex box. One of an edition of 100 copies numbered and signed and annotated by Werner Ruhnau. Size: 19 x 25 x 1.5 cm

Multiple de Klein et Ruhnau. Titrée : Monochrome bleu.

Plâtre avec pigment bleu dans une boîte (Perspex) en plexiglas. Une édition de 100 exemplaires numérotés et signés et annotés par Werner Ruhnau. Dimension: 19 x 25 x 1,5 cm

#multiple #collectiveart #art #kunst #monochrome #YvesKlein #WernerRuhnau #artminimal #minimalart #bleu #blue

German architect Werner Ruhnau's work presages the kind of interdisciplinary and collaborative practice popular among contemporary artists and designers. Architect of the groundbreaking Gelsenkirchen Musical Theatre (1959), which he designed in tandem with artists Yves Klein, Jean Tinguely, Robert Adams, Paul Dierkes and Norbert Kricke, Ruhnau was also an active theater director.

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Le travail de l'architecte allemand Werner Ruhnau est le présage et le genre de pratique interdisciplinaire et collaborative populaire parmi les artistes et designers contemporains. Architecte du Théâtre révolutionnaire Gelsenkirchen Musical (1959), qu'il a conçu en tandem avec des artistes Yves Klein, Jean Tinguely, Robert Adams, Paul Dierkes et Norbert Kricke, Ruhnau était aussi un directeur de théâtre actif.

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Yves Klein; (28 April 1928 – 6 June 1962) was a French artist considered an important figure in post-war European art. He is the leading member of the French artistic movement of Nouveau réalisme founded in 1960 by art critic Pierre Restany. Klein was a pioneer in the development of performance art, and is seen as an inspiration to, and as a forerunner of, Minimal art, as well as Pop art.

#biography
https://plus.google.com/112315637875305423901/posts/1JvKVqXJqez

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Yves Klein, né à Nice le 28 avril 1928, mort à Paris le 6 juin 1962, est un plasticien français.
Malgré une carrière artistique assez courte (1954-1962), il est considéré comme l'un des plus importants protagonistes de l'avant-garde picturale de l'après-guerre1. Il est notamment connu pour son bleu (IKB pour International Klein Blue), qu'il a appliqué sur de nombreuses œuvres.

#biographie
https://plus.google.com/112315637875305423901/posts/1JvKVqXJqez

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Collections #ysebaertlouisseizearts et #yoannickysebaert

Blauw-Blue-Bleu-ART-Blau-Blu-Azul-синий
https://plus.google.com/u/0/collection/8uUWb

Decorative arts and Design - Applied arts
https://plus.google.com/u/0/b/100945448540969585096/collection/kT5_SB

Fine Vintage Design - Designers and Manufacturers.
https://plus.google.com/u/0/collection/kNRte

Objets d'art
https://plus.google.com/u/0/collection/0HdJc

ART MinimaL ART – Monochromes
https://plus.google.com/u/0/b/100945448540969585096/collection/Myd_aB
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Grear PATTERSON (1988)

Original artwork by Grear Patterson. Titled: Cherry on Top and dated 2014.

Acrylic on canvas signed, titled and dated on the overlap. Size: 152.4 x 243.8 cm - 60 x 96 in.

Provenance: Bill Brady Gallery, Kansas City
Exhibited: Kansas City, Bill Brady Gallery, 'Grear Patterson: Swinging Forever,' May 2014.

Œuvre d’art originale de Grear Patterson. Titrée: Cherry on Top et datée 2014.

Acrylique sur toile signée, titrée et datée sur le dos. Dimensions: 152,4 x 243,8 cm - 60 x 96 po.

Provenance: Bill Gallery Brady, Kansas City
Exposition: Kansas City, Bill Gallery Brady, 'Grear Patterson: Balancer Forever' mai 2014.

#peinture #painting #art #kunst #contemporaryart #artcontemporain #artminimal #minimalart #GrearPatterson

Grear Patterson was born in 1988 in Redding, Connecticut, USA. He studied at Duke University and the School of Visual Arts in New York before joining the Still House Group in 2009.
Solo exhibitions include: Manhattan Beach, Marlborough Broome Street, NY (2015); Seek and Destroy, Depart Foundation, Los Angeles (2015); Forest Theatre, The American Academy Rome, (2014) and Duck Test, Ellis King, Dublin (2014). He has been included in group shows at Jonathan Viner, London; Sprovieri, London; Total Project Space, Athens; Frank Pictures Gallery, Santa Monica; Steven Kasher Gallery, NY; Galerie Olivier Robert, Paris and the 9th Shanghai Biennale in 2012. The artist lives and works in the Bronx, New York.

#biography
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Grear Patterson, né en 1988 à Redding, Connecticut, est un artiste visuel américain basé à New York, qui travaille avec la photographie, la peinture et la sculpture. Il vit et travaille actuellement à New York City.

#biographie
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Collections
#ysebaertlouisseizearts & #yoannickysebaert

Contemporary & Urban Art/ Graffiti & Pop Art
https://plus.google.com/u/0/collection/ECSZRB

Contemporary Art - Digital, installations, Objects
https://plus.google.com/u/0/b/100945448540969585096/collection/0RJOaB

ART MinimaL ART – Monochromes
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