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Carl HEYWOOD (1941)

Original fine art print by Carl Heywood. Titled: Variation on a theme by Braque II and dated 1974.

Mixed-media etching on paper signed, titled, numbered and roman dated also on verso titled, editioned and dated on gallery label. One of an edition of 70 signed and numbered copies. Sizes: 88.9 x 58.5 cm – 35 x 23 in.

Provenance: Mira Godard Gallery, Toronto.

Estampe originale de Carl Heywood. Titrée: Variation on a theme by Braque II datée 1974.

Eau-forte technique mixte sur papier signée, titrée, numérotée et datée en chiffre romain ainsi que titrée, justifié et datée sur étiquette de galerie au dos. Une édition de 70 exemplaires signés et numérotés. Dimensions: 88,9 x 58, 4 cm - 35 x 23 po.

Provenance: Galerie Mira Godard, Toronto

#estampe #fineartprint #artonpaper #artsurpapier #art #kunst #etching #eauforte #aquatinte #aquitint #CarlHeywood #artcontemporain #contemporaryart

Born in Toronto, Ontario in 1941, J.C. Heywood’s career as artist and printmaker has spanned almost four decades. Heywood studied drawing, painting and printmaking at the Ontario College of Art, going on to teach fine art at institutions such as Queen’s University at Kingston, the University of Guelph, as well as at the Nova Scotia College of Art in Halifax.
Heywood has received numerous grants from both Canada Council and the Ontario Arts Council, enabling him to travel extensively through Europe, the Middle East, Japan, and to train apprentice printmakers such as Janet Cardiff. He has had several solo exhibitions in Canada and participated in international print shows in East Berlin, Yugoslavia, Taiwan, Norway, China, Poland and New Mexico. Heywood’s most recent solo exhibition: J.C. Heywood: A Life in Layers, was organized by the Burnaby Art Gallery and has been touring across Canada since 2008. Heywood currently lives and works in Montreal.
The collection of prints held within the Burnaby Art Gallery’s permanent collection has been designated as Canadian cultural property: works of special historical and cultural significance.

#biography
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Carl Heywood est né à Toronto en 1941 et est diplômé du Ontario College of Art. Virtuose de la sérigraphie, il est parmi les artistes canadiens, celui qui maîtrise le mieux cette technique de l’estampe. Ses “radiations cured prints” sont tout à fait spectaculaires.
Carl Heywood a plus de 75 expositions en solo à son actif et plus de 200 expositions collectives. Ses œuvres font partie entre autres, des collections prestigieuses du Victoria & Albert Museum de Londres, du Musée d’art moderne de New York, du Musée des beaux-arts du Canada et du Musée d’art moderne de Paris. Carl Heywood vit et travaille à son studio à Montréal.

#biographie
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#collections #yoannickysebaert & #ysebaertlouisseizearts

Fine Art Prints - Estampes - Graphics – Graphiques
https://plus.google.com/u/0/b/100945448540969585096/collection/E3Kte

Contemporary Figurative
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Contemporary Art-Digital,installations, Conceptual
Art Contemporain, Numérique, installations, Objets - Conceptuel
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Death Nyc (1979)

Original limited edition fine art print by Death Nyc. Titled: Kate Moss and dated 2015.

Screen-print (Serigraphy) on paper signed lower right, dated and numbered. One of a limited edition of 100 signed and numbered copies. Size: 31.5 x 44.5 cm.

Estampe d’art d'une édition limitée de Death Nyc. Titrée : Kate Moss datée 2015.

Sérigraphie sur papier, signée en bas à gauche ainsi que datée et justifiée. Un d’une édition limitée de 100 copies signées et numérotées. Dimension: 31,5 x 44,5 cm.

#fineartprint #screenprint #serigraphy #sérigraphie #estampe #artonpaper #artsurpapier #streetart #urbanart #artcontemporain #contemporaryart #artactuel #pop #popimage #imagepop

DEATH (NYC) is a street artist from New York City. Growing up in New York City, being exposed to many different cultures and perspectives often causes her to think and questions everything that she sees on the street. This experience later has a major influence on deciding her artist name and aim.
DEATH (NYC) chooses to keep her identity anonymous, she believes that it gives her more freedom to continue to work on the street. She began painting on walls and floors of popular shops in Soho and Chelsea area of New York City. She gets the name DEATH from the abbreviation of
“Don’t Easily Abandon The Hope”.

DEATH tries to ridicule the mainstream media by making fun of popular images. One of the most representative works by DEATH is Chairman Mao Zedong from the people’s republic of china with a red bow. Seeing the tag “DEATH” or “DEATH IS FREE” on the street, viewers often prejudge the meaning of the sentence without knowing what the real meaning of “DEATH” is.

#biography

http://www.deathnyc.com/#!street/ckiy
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Death (NYC) est une artiste de rue de New York City. Grandir à New York et d'être exposé à de nombreuses cultures différentes ses perspectives provoque souvent chez elle des réfections sur ce qu'elle pense et des questionnent sur tout ce qu'elle voit dans la rue. Cette expérience a eu plus tard une grande influence sur la décision du choix de son nom d'artiste et le but recherché.

Death (NYC) choisit de garder son identité anonyme, elle croit que cela lui donne plus de liberté pour continuer à travailler dans la rue. Elle a commencé à peindre sur les murs et les planchers de magasins populaires dans Soho et Chelsea dans la région de New York City. Elle obtient le nom Death de l'abréviation de en anglais “Don’t Easily Abandon The Hope”= DEATH
(«Ne pas facilement abandonner l'espoir".)

Death tente de ridiculiser les médias du grand public en se moquant d'images populaires. Une des œuvres les plus représentatives de Death est le président Mao Zedong de la République populaire de Chine qui est représenté avec un nœud rouge dans ses cheveux. Souvent voir le Tag «Death» ou «Death is free (Littéralement = Mort est libre" dans la rue, évoque chez les spectateurs souvent des préjuger sur la phrase sans savoir le sens réel du (mort) «Death».

#biographie

#yoannickysebaert #commissionnaire et #curateur #ysebaertlouisseizearts
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#collections
Contemporary & Urban Art
Art Actuel - Contemporain
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Fine Art Prints - Estampes - Graphics - Graphiques
Original limited Edition Fine Art Prints-Estampes Originales, Éditions Limitées
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Artworks for Sale - Œuvres d'arts à Vendre & Expo.

No strings attached; just to share. Pas d’obligations, juste à partager
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Pop Art
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Hans HARTUNG (1904 – 1989)

Original limited edition fine art print by Hans Hartung; Titled: "L-1973-34", 1973.

Mono chrome lithograph on BFK Vélin paper hand signed lower right and numbered lower left. One of an edition of 75 signed and numbered lithographs. Dimensions: Paper sheet: 76 x 56 cm.

Reference: Catalog raisonnée: RMM 435.

Estampe d’art originale d’une édition limitéede Hans Hartung. Titrée: "L-1973-34", 1973.

Lithographie monochrome sur papier BFK Vélin signée à la main en bas à droite et numérotée en bas à gauche. Un d'une édition de 75 lithographies signées et numérotées. Dimensions: feuille de papier: 76 x 56 cm.

Reference: Catalog raisonnée: RMM 435.

#ArtonPaper #ArtsurPapier #Lithography #Lithographie #art #kunst #Estampe #artsysebaertlouisseize #print #FineArtPrint #HansHartung #LyricAbstract #AbstraitLyrique

Hans Hartung born on 21 September 1904 and died on 7 December 1989; He was a German-French painter, known for his gestural abstract style.
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Hans Hartung, né le 21 septembre 1904 à Leipzig, et mort le 7 décembre 1989 à Antibes, est un peintre français d'origine allemande, l'un des plus grands représentants de l'art abstrait et le père du tachisme.

#biographie & #biography

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#Collections #yoannickysebaert & #ysebaertlouisseizearts

Lyric abstract / Art / Lyrique abstrait - Abstract Expressionism - Expressionnisme Abstrait
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Fine Art Prints - Estampes - Graphics - Graphiques
Original limited Edition Fine Art Prints-Estampes Originales, Éditions Limitées
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ART MinimaL ART – Monochromes
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Artworks for Sale - Œuvres d'arts à Vendre & Expo
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Abstract drawings - Dessins Abstrait - Pencil- Charcoal - Ink / Crayon- Fusain - Encre / Art on Paper - Art sur Papier
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Wolf VOSTELL (1932 – 1998)

Original limited edition fine art print by Wolf Vostell; (Porträt des Künstlers) or Fluxus dated 1980.

Mixed media dry point and helioetching in black on firm laid paper, enchanted with red finger stripe painting, signed on lower right and numbered lower left and added in work a mirror text. Dimensions: 20.3 x 18.5 cm.

!!!Note mirror text in German says: Ich Erkläre Den Frieden Zum Grössten Kunstwerk. (I declare peace on (for this) biggest artwork.)

Estampe d’art originale d'une édition limitée de Wolf Vostell; (Porträt des Künstlers) ou Fluxus datée 1980.

Technique mixte pointe sèche et hélio-gravure en noir sur papier vélin, enchanté avec raie au doigt d'une peinture rouge, signée en bas à droite et numérotée en bas à gauche et ajoutée en écriture miroir un texte dans l’œuvre. Dimensions: 20,3 x 18,5 cm.

!!!Note le texte miroir en allemand dit: Ich Erkläre Den Frieden Zum Grössten Kunstwerk. (Je déclare la paix sur (pour cette) grande œuvre d'art.)

#ArtonPaper #ArtonPaper #art #kunst #MixedMedia #TechniqueMixte #Estampe #Print #FineArtPrint #artsysebaertlouisseize #WolfVostell

Wolf Vostell born on 14 October 1932 and died on 3 April 1998; he was a German painter and sculptor, considered one of the early adopters of video art and installation art and pioneer of Happening and Fluxus. Techniques such as blurring and Dé-collage are characteristic of his work, as is embedding objects in concrete and the use of television sets in his works.

Wolf Vostell was born in Leverkusen, Germany, and put his artistic ideas into practice from 1950 onwards. In 1953, he began an apprenticeship as a lithographer and studied at the Academy of Applied Art in Wuppertal. Wolf Vostell created his first Dé-collage in 1954. In 1955-1956, he studied at the École Nationale Superieur des Beaux Arts in Paris and in 1957 he attended the Düsseldorf Academy of Arts.

#biography
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Wolf Vostell est un artiste allemand né à Leverkusen en 1932, mort en 1998.
Il est l'un des principaux représentants allemands de la peinture, de la sculpture dans la deuxième moitié du XXe siècle.

Il est également considéré un des pionniers de l’installation, de l’Art vidéo, de l’Happening et du mouvement Fluxus. Des techniques comme l’estompage ou le Dé-collage sont des caractéristiques de ses œuvres, de même que l’encastrement dans du béton.

Wolf Vostell réalise ses premières idées artistiques à partir de 1950. En 1953, il commence une formation en lithographie et se rend à Wuppertal à la Werkkunstschule École des Arts et Métiers. Impressionné par un voyage à Paris en 1954, Wolf Vostell fait son premier Dé-coll/age. Il a souvent raconté comment l'idée lui est venue. Il lit le 6 septembre 1954, la Une du Figaro qui annonce le crash d'un avion de ligne au décollage. L'artiste y lit le collage et les Dé-collage des images et des mots. Il décide d'utiliser la presse comme premier matériau de travail.

En 1955/1956 il suit les cours de l’École nationale supérieure des beaux-arts à Paris et en 1957 ceux de la Kunstakademie de Düsseldorf. Le catalogue raisonné de ses estampes et affiches a été publié dans les Nouvelles de l'estampe par Françoise Woimant et Anne Moeglin-Delcroix.

#biographie
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Fine Art Prints - Estampes - Graphics – Graphiques - Original limited Edition -Estampes Originales, Éditions Limitées
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Contemporary Art - Digital, installations, Objects - Art Contemporain, Numérique, installations, Objets
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Contemporary & Urban Art/ Graffiti & Pop Art - Art Actuel - Contemporain - Urbain (Street) et Pop Art
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JR (1983) – Jean René

Original limited edition fine art print by JR; Titled: The wrinkles of the city of Los Angeles dated 2015. (Oeil froissé 3 – Series)

Lithograph on paper signed, dated, numbered and bleu artist's stamp on the lower right. One of a edition of 30 artist proof and 180 numbered lithographs. Dimension: 89 x 66 cm - 35 x 26 in.

Estampe originale d’une édition limitée de JR. Titrée : Œil Froissé datée 2015.

Lithographie sur papier signée, datée, numérotée et avec tampon de l'artiste en bas à droite. Un d’une édition à 180 exemplaires ainsi que 30 Artist Proof (AP) (Épreuve d’artiste) Dimension: 89 x 66 cm. – 35 x 26 po.

#ArtonPaper #ArtsurPapier #Estampe #Print #FineArtPrint #art #kunst #Lithography #Lithographie #JR #StreetArt #UrbanArt #ArtContemporain #ContemporaryArt #artsysebaertlouisseize #ArtActuel #ArtivisteUrbain

JR is on born 22 February 1983; JR is the pseudonym of Jean René a French contemporary artist. He describes himself as a ‘’photographeur’’ and his fly-posts large black-and-white photographic images in public locations, are in a similar manner build up and used as graffiti artists in the street. He states that the street is "the largest art gallery in the world’’ exactly where he started out; in the streets of Paris. JR's work "often challenges widely held preconceptions and the reductive images propagated by advertising and the media."

JR's work combines art and action, and deals with commitment, freedom, identity and limits.

#biography
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JR, né Jean René à Paris le 22 février 1983. Il est un artiste contemporain français. Grâce à la technique du collage photographique il expose librement sur les murs du monde entier, attirant ainsi l’attention de ceux qui ne fréquentent pas les musées habituellement. Son travail mêle à l’art, l’action, traite d’engagement, de liberté, d’identité et de limite.

#biographie
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#Collections #yoannickysebaert & #ysebaertlouisseizearts

Master Art photographers of 20th & 21st Century
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Fine Art Prints - Estampes - Graphics – Graphiques - Original limited Edition Fine Art Prints-Estampes Originales, Éditions Limitées
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Contemporary, Conceptuel & Urban Art - Art Actuel - Contemporain - Art Conceptuel
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Contemporary Art - Digital, installations, Objects
Art Contemporain, Numérique, installations, Objets
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Urban Art and Graffiti
Street Art
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Martine MOUGIN (1945)

Original multimedia artwork by Martine Mougin; From Parcs et jardins, series dated 1992-1993.

Mixed media of photography silver print and collage on aluminum, signed dated and titled on the back. Unique piece. Dimensions: 24.5 x 17.5 cm.

Œuvre multimédia originale de Martine Mougin. Titrée: Parcs et jardins, série datée 1992-1993.

Technique mixte impression argentique photographique et collage sur aluminium, datée et signée et titrée au dos. Pièce unique. Dimensions: 24,5 x 17,5 cm.

#ThechniqueMixte #MixedMedia #art #kunst #Collage #Aluminium #SilverPrint #TirageArgentique #photography #photographie #MartineMougin #artsysebaertlouisseize #ContemporaryArt #ArtContemporain

Martine Mougin is born in Agen, France; she lives and works in Paris. Starting in 1970, she devoted herself to painting and engraving and directed herself towards photography in 1982. Since 1985, her research has been in colorized photography.

She studied at the Art School in Bordeaux and also the ENSBA in Paris. She received grants from Ministry of Foreign Affairs of France from the Rijksakademie of Amsterdam in 1971 and also from the Art School of Budapest in 1972.

#biography
Source: Web site of artist
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Martine Mougin est née à Agen, France; elle vit et travaille à Paris. Depuis 1970, se consacre à la peinture au dessin et à la gravure puis s’oriente vers la photographie en 1982. Dès 1985, ses recherches sont la photographie colorisée.

Suit sa formation à l’école des Beaux-Arts de Bordeaux et à L’ENSBA de Paris.
Elle a reçu des bourses du ministère des Affaires étrangères de la France de la Rijksakademie d'Amsterdam en 1971 et également de l'Art School de Budapest en 1972.

#biographie
Source : Site de l’artiste.
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Site web de l’artiste (Français – English) – Web site of artist
http://www.martine-mougin.com
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#collection #Collections #ysebaertlouisseizearts & #yoannickysebaert

Master Art photographers of 20th & 21st Century
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Fine Art Prints - Estampes - Graphics – Graphiques - Original limited Edition Fine Art Prints-Estampes Originales, Éditions Limitées
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Contemporary, Conceptuel & Urban Art - Art Actuel - Contemporain - Art Conceptuel
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Jasper JOHNS (1930)

Original limited edition fine art print by Jasper Johns; Titled: Target with Four Faces dated 1979.

Vintage etching in colors on Rives BFK paper signed and dated lower right and numbered lower left. One of an edition of 88 signed, dated and justified etchings. Dimension: 76 x 55 cm.

Printer: Studio Crommelynck.

Publisher: Petersburg Press, New York & London.

Provenance: Christie's New York, 2nd November 1999; Swiss private collection and Knokke, Belgian private collection.

Literature: Ulae 203; JG 17.

Estampe d'art originale d’une édition limitée de Jasper Johns. Titrée: Target with Four Faces datée 1979.

Gravure en couleurs sur le papier Rives BFK signée et datée en bas à droite et numérotée en bas à gauche. Une d'une édition de 88 exemplaires, signés, datés et justifiés. Dimension: 76 x 55 cm.

Imprimeur: Studio Crommelynck.

Éditeur: Petersburg Press, New York et Londres.

Provenance: Christie's New York, 2 novembre 1999; Collection privée suisse et Knokke, collection privée belge.

Littérature: Ulae 203; JG 17.

#FineArtPrint #Estampe #art #kunst #gravure #etching #JasperJohns #ysebaertlouisseizearts #PopArt #NeoDada #NéoDada

Jasper Johns is born on May 15, 1930; he is an American painter, sculptor and printmaker associated with Abstract expressionism, Neo-Dada, and Pop art.

Born in Augusta, Georgia, Jasper Johns spent his early life in Allendale, South Carolina, with his paternal grandparents after his parents' marriage failed. He then spent a year living with his mother in Columbia, South Carolina, and thereafter he spent several years living with his aunt Gladys in Lake Murray, South Carolina, twenty-two miles from Columbia. He completed Edmunds High School (now Sumter High School) class of 1947 in Sumter, South Carolina, where he once again lived with his mother.

Recounting this period in his life, he once said, "In the place where I was a child, there were no artists and there was no art, so I really didn't know what that meant. I think I thought it meant that I would be in a situation different than the one that I was in."

Johns studied a total of three semesters at the University of South Carolina, from 1947 to 1948. He then moved to New York City and studied briefly at the Parsons School of Design in 1949. In 1952 and 1953 he was stationed in Sendai, Japan, during the Korean War.

In 1954, after returning to New York, Johns met Robert Rauschenberg and they became long-term lovers. For a time they lived in the same building as Rachel Rosenthal. In the same period he was strongly influenced by the gay couple Merce Cunningham (a choreographer) and John Cage (a composer). Working together they explored the contemporary art scene, and began developing their ideas on art.

In 1958, gallery owner Leo Castelli discovered Johns while visiting Rauschenberg's studio. Castelli gave him his first solo show. It was here that Alfred Barr, the founding director of New York's Museum of Modern Art, purchased four works from this show. In 1963, Johns and Cage founded Foundation for Contemporary Performance Arts, now known as Foundation for Contemporary Arts in New York City.

Johns currently lives in Sharon, Connecticut, and on the island of Saint Martin. Until 2012, he lived in a rustic 1930s farmhouse with a glass-walled studio in Stony Point, New York. He first began visiting Saint Martin in the late 1960s and bought the property there in 1972. The architect Philip Johnson is the principal designer of his Saint Martin home, a long, white, rectangular structure divided into three distinct sections.

About his prints.
Since 1960 Johns has worked closely with Universal Limited Art Editions, Inc (ULAE) in a variety of printmaking techniques to investigate and develop existing compositions. Initially, lithography suited Johns and enabled him to create print versions of iconic depictions of flags, maps, and targets that filled his paintings. In 1971, Johns became the first artist at ULAE to use the handfed offset lithographic press, resulting in Decoy, an image realized in printmaking before it was made in drawing or painting. However, apart from the Lead Reliefs series of 1969, he has concentrated his efforts on lithography at Gemini G.E.L.

In 1973, Johns produced a print called Cup 2 Picasso, for XXe siècle, a French publication.

In 1976, Johns partnered with writer Samuel Beckett to create Foirades / Fizzles; the book includes 33 etchings, which revisit an earlier work by Johns and five text fragments by Beckett. He has also worked with Atelier Crommelynck in Paris, in association with Petersburg Press of London and New York; and Simca Print Artists in New York. In 2000, Johns produced a limited-edition linocut for the Grenfell Press.

For the May 2014 issue of Art in America, he created a black-and-white lithograph depicting many of his signature motifs, including numbers, a map of the United States and sign language.

Sources Wikipedia
#biography
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Jasper Johns, né le 15 mai 1930 à Augusta, Géorgie, États-Unis. Il est un peintre, dessinateur et graveur américain. Peintre néo-dadaïste, il est, avec son amant Robert Rauschenberg, à l'origine du pop art américain. Il peint des séries entières représentant des drapeaux, des chiffres ou des cibles sur toile. Par la suite, il prend pour sujet des objets de la vie quotidienne, ustensiles, couverts ou boîtes de conserve, traités comme des pièces détachées qu'il intègre à ses travaux.

Johns étudie à l'Université de Caroline du Sud de 1947 à 1948, vu son talent, ses professeurs l'incitent à aller à New York. Il s'y rend et étudie brièvement à la Parsons The New School for Design en 1949. À New York, il rencontre Robert Rauschenberg, Merce Cunningham et John Cage, avec qui il travaille et explore la scène de l'art contemporain, puis commencent à développer leurs propres idées sur l'art. Il accomplit son devoir militaire pendant la Guerre de Corée, servant deux ans, stationné en Caroline du Sud puis à Sendai au Japon. Jasper rentre à New York en 1953.

À son arrivée à New York en 1954, Jasper John rencontre Robert Rauschenberg son aîné de 5 ans qui commence déjà à se faire connaître pour ses toiles monochromes chargées, bien éloignées de celles que réaliseront plus tard Yves Klein et Piero Manzoni.

Jasper Johns et Robert Rauschenberg deviendront amants et vivront ensemble de nombreuses années et travailleront dans le même atelier dans le quartier de Front Street. Ils commencent alors à collaborer étroitement, travaillant en commun pour subvenir à leurs besoins pour les magasins Tiffany. C'est à cette époque que Jasper Johns détruisit la quasi-totalité de son œuvre précédente et qu'il commence à utiliser la peinture à l'encaustique.

Fasciné comme Rauschenberg par Marcel Duchamp, il décide de faire lui aussi des ‘’ready made’’, mais des‘’ready made’’ fabriqués. Cela débouchera sur les premiers drapeaux américains, les cibles, alphabets, nombres…

Il n'a que 25 ans quand il réalise ses premiers chefs-d'œuvre tels que Flag 1954 - 1955 du MOMA, Green target de 1955 ou Target with plaster casts. Ces œuvres sont alors radicales par rapport à la production artistique de l'époque. En effet, l'expressionnisme abstrait, de Willem de Kooning, Jackson Pollock, Mark Rothko et les autres, régnait en maître mais était déjà en train de s'épuiser.

C'est en 1958 après une visite de Leo Castelli, célèbre marchand d'art qui travaillait chez Sidney Janis, autre grand marchand que ce dernier décide d'exposer dans sa propre galerie Jasper Johns. La radicalité et la nouveauté des œuvres avaient frappé Castelli qui décida que l'exposition inaugurale de sa galerie serait celle de Jasper Johns. La première exposition chez Castelli a lieu en janvier 1958 et sera un immense succès.

Le jour du vernissage, Alfred Barr, conservateur en chef du MOMA, est tellement marqué par les œuvres qu'il voit qu'il achète aussitôt deux œuvres : green target et target with plaster casts. Cette œuvre figura d'ailleurs en couverture du magazine ARTnews avec un compte rendu important de l'exposition qui favorisa le succès de l'exposition. À 28 ans, Jasper Johns devenait déjà une star. Fort de ce succès inattendu, Johns continue de travailler sur certaines séries comme les cibles et les drapeaux et en développe de nouvelles comme celles des alphabets et Zéro à travers neuf. Le côté sombre et littéraire de Johns commence déjà à surgir dans certaines œuvres comme Tennyson hommage à un poète homosexuel au destin tragique. Les références à l'homosexualité sont déjà importantes au début de sa carrière.

Son style évolue de plus en plus. En 1959 il peint une série de toiles abstraites à la manière de l'expressionnisme abstrait mais en intégrant dans certaines des lettres intraset : False start, Highway, shade…

C'est à cette époque que les couleurs primaires bleu jaune et rouge deviennent plus importantes pour l'œuvre de l'artiste. Selon certains historiens et critiques l'idée d'employer les couleurs primaires lui serait venue après avoir vu Collection une combine painting de Rauschenberg de 1954. Les rapports avec Rauschenberg à cette époque deviennent plus compliqués. Selon Jacques Damase, Jasper Johns a été beaucoup influencé par Sonia Delaunay, notamment par ses rayures, et aussi par ses rythmes de couleurs.

Il commence aussi à intégrer plus fortement des objets dans ces peintures comme device circle et thermometer, ce qui anticipe tout son travail des années 1960, focalisé avant tout sur l'intégration de l'objet dans ses peintures.

Les années 1960 voient surgir le pop art avec Warhol et Liechtenstein. On a beaucoup vu Johns comme un artiste pop mais son œuvre est plus complexe que cela. Il appartient plus au néo dadaïsme comme Rauschenberg qu'au pop art.

Il réalise ses premières sculptures : des ampoules, et les fameuses cannettes de bière ‘’ALE CANS’’. Il prend les objets et les coule en bronze.

À propos de ses estampes.
Depuis 1960, Johns a travaillé en étroite collaboration avec Universal Limited Art Editions, Inc (ULAE) dans diverses techniques de gravure pour enquêter et développer des compositions existantes. Initialement, la lithographie était adaptée à Johns et lui permettait de créer des versions imprimées de représentations iconiques de drapeaux, de cartes et de cibles qui remplissaient ses peintures. En 1971, Johns est devenu le premier artiste d'ULAE à utiliser la presse lithographique découpée à la main, ce qui a donné lieu à Decoy, une image réalisée dans la gravure avant qu'elle ne soit faite en dessin ou en peinture. Cependant, en dehors de la série Lead Reliefs de 1969, il a concentré ses efforts sur la lithographie chez Gemini G.E.L.

En 1973, Johns a produit une copie intitulée Cup 2 Picasso, pour le XXe siècle, une publication française.

En 1976, Johns a collaboré avec l'écrivain Samuel Beckett pour créer Foirades / Fizzles; Le livre comprend 33 gravures, qui revisitent un travail antérieur de Johns et cinq fragments de texte de Beckett. Il a également travaillé avec l'Atelier Crommelynck à Paris, en association avec Petersburg Press de Londres et New York; et Simca Print Artists à New York. En 2000, Johns a produit un tirage linéaire à édition limitée pour Grenfell Press.

Pour le numéro de mai 2014 d'Art in America, il a créé une lithographie en noir et blanc représentant plusieurs de ses motifs de signature, y compris des chiffres, une carte des États-Unis et une langue des signes.

Sources Wikipédia et ajouts Yoannick Ysebaert #curateur
#biographie
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#collection #Collections #artsysebaertlouisseize & #yoannickysebaert

Fine Art Prints - Estampes - Graphics - Graphiques
Original limited Edition Fine Art Prints-Estampes Originales, Éditions Limitées
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Pop Art
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Artworks for Sale - Œuvres d'arts à Vendre & Expo
https://plus.google.com/u/0/b/100945448540969585096/collection/IdE3b

Lyric abstract / Art / Lyrique abstrait
Abstract Expressionism - Expressionnisme Abstrait
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Richard ANUSZKIEWICZ (1930)

Original fine art print by Richard Anuszkiewicz; Titled: Sequential VIII, 1972 from the Sequential Portfolio

Serigraphy in color on paper signed, dated and numbered in pencil lower right on lower left Roman digit 8 (VIII) in pencil. One of an edition of 200 signed, dated and numbered copies. Dimensions: 71.1 x 53.3 cm - 28 x 21 in.

Estampe originale de Richard Anuszkiewicz. Titrée : Sequential VIII, 1972 du Portfolio ‘’the Sequential’’

Sérigraphie en couleur sur papier signée, datée et numérotée au crayon en bas à droite en bas à gauche au crayon le chiffre romain 8 (VIII). Un d'une édition de 200 copies signées, datées et numérotées. Dimensions: 71,1 x 53,3 cm - 28 x 21 po.

#FineArtPrint #Estampe #Print #art #kunst #Serigraphy #Sérigraphie #RichardAnuszkiewicz #OpArt #ArtCinétique #ysebaertlouisseizearts #KineticArt #ArtOptique #OpticalArt

Richard Anuszkiewicz is born on May 23, 1930, Erie, Pennsylvania; he is an American painter, printmaker, and sculptor.

Richard Anuszkiewicz trained at the Cleveland Institute of Art in Cleveland, Ohio , from 1948 till 1953 and then with Josef Albers at the Yale University School of Art and Architecture in New Haven, Connecticut from 1953 till 1955, where he earned his Masters of Fine Arts.

He was one of the founders and foremost exponents of Op Art, a movement during the late 1960s and early 1970s. Victor Vasarely in France and Bridget Riley in England were his primary international counterparts.

In 1964, Life magazine called him "one of the new wizards of Op". More recently, while reflecting on a New York City gallery show of Anuszkiewicz's from 2000, the New York Times art critic Holland Cotter described Anuszkiewicz's paintings by stating,

"The drama and that feels like the right word is in the subtle chemistry of complementary colors, which makes the geometry glow as if light were leaking out from behind it."

Considered a major force in the Op Art movement, Anuszkiewicz is concerned with the optical changes that occur when different high-intensity colors are applied to the same geometric configurations. Most of his work comprises visual investigations of formal structural and color effects, many of them nested square forms similar to the work of his mentor Josef Albers. In his series, "Homage to the Square," Albers experimented with juxtapositions of color, and Anuszkiewicz developed these concepts further. Anuszkiewicz has continued to produce works in the Op Art style over the last few decades.

Anuszkiewicz summarizes his approach to painting as follows:
"My work is of an experimental nature and has centered on an investigation into the effects of complementary colors of full intensity when juxtaposed and the optical changes that occur as a result, and a study of the dynamic effect of the whole under changing conditions of light, and the effect of light on color.";
a statement by the artist for and while the exhibition of "Americans 1963" at the Museum of the Modern Art.

Anuszkiewicz has exhibited at the Venice Biennale, Florence Biennale and Documenta, and his works are in permanent collections internationally. He was elected into the National Academy of Design in 1992 as an Associate member, and became a full member in 1994.

#biography Wikipedia
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Richard Anuszkiewicz, né le 23 mai 1930 à Érié en Pennsylvanie, il est un peintre et sculpteur américain, un des grands du Op Art, dont il est l'un des fondateurs.

Richard Anuszkiewicz s'est entraîné et étudier à Cleveland Institute of Art à Cleveland, Ohio, de 1948 à 1953, puis avec Josef Albers à la faculté d'art et d'architecture de l'Université de Yale à New Haven, dans le Connecticut, de 1953 à 1955, où il a obtenu son Master of Fine Arts .

En 1957, il est le conservateur du Metropolitan Museum of Art et dessine pour Tiffany and Co.
Au début des années 1960, il commence sa peinture géométrique qui le conduit vers les figures avec effets d'optique propres à l'Op Art. Ensuite, il ajoute la sculpture à ses travaux.

Victor Vasarely en France et Bridget Riley en Angleterre étaient ses principaux homologues internationaux.
En 1964, le magazine Life l'appelait «l'un des nouveaux magiciens de l'Op». Plus récemment, en réfléchissant sur une exposition d'Anuszkiewicz en 2000 à la galerie de la ville de New York, le critique d'art du New York Times Holland Cotter a décrit les tableaux d'Anuszkiewicz en déclarant,

"Le drame, qui ressemble le bon mot est dans la subtile chimie des couleurs complémentaires, qui fait ressentir la géométrie comme si la lumière brule derrière elle".

Considérée comme une force majeure dans le mouvement Op Art, Anuszkiewicz s'intéresse aux changements optiques qui se produisent lorsque différentes couleurs de haute intensité sont appliquées aux mêmes configurations géométriques. La plupart de ses travaux comprennent des recherches visuelles sur les effets structuraux formels, dont beaucoup sont des formes carrées imbriquées semblables à celles de son mentor Josef Albers.

Dans sa série, "Hommage au carrés", Albers a expérimenté des juxtapositions de couleur, et Anuszkiewicz a développé ces concepts plus loin. Anuszkiewicz a continué à produire des œuvres dans le style Op Art au cours des dernières décennies.

Anuszkiewicz résume son approche de la peinture comme suit:
«Mon travail est de nature expérimentale et s'est centré sur une étude des effets de couleurs complémentaires de pleine intensité lors de la juxtaposition et des changements optiques qui se produisent et une étude sur l’effet dynamique de l'ensemble sous des conditions changeantes de lumière, et l'effet de la lumière sur la couleur.";
une déclaration de l'artiste pour et pendant l'exposition des "Américains 1963" au Musée de l'Art Moderne.

Anuszkiewicz a exposé à la Biennale de Venise, à la Biennale de Florence et à Documenta, et ses œuvres sont dans les collections permanentes à l'international. Il a été élu à l'Académie nationale de design en 1992 en tant que membre associé et est devenu membre à part entière en 1994.

#biographie
Sources Wikipédia e traduction Yoannick Ysebaert #Curateur
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#Collections #collection #yoannickysebaert & #artsysebaertlouisseize

Art Construit - Geometric abstract
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Fine Art Prints - Estampes - Graphics - Graphiques
Original limited Edition Fine Art Prints-Estampes Originales, Éditions Limitées
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Artworks for Sale - Œuvres d'arts à Vendre & Expo
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Kinetic Art - Op Art – Art Cinétique - art optique - optical art
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YVARAL (1934 - 2002) -Jean-Pierre Vasarely

Original limited edition fine art print by Yvaral: Untitled.

Color lithograph on paper signed lower right in pencil and numbered lower left in Roman numeral. One of an edition of 100 signed and numbered copies.
Dimensions: 77.5 x 77.5 cm.

Estampe d’une édition limitée originale d’Yvaral. Sans titre.

Lithographie couleur sur papier signée en bas à droite au crayon et numérotée en bas à gauche en chiffre romain. Un d’une édition signées et numérotées de 100 exemplaires. Dimensions: 77,5 x 77,5 cm.

#ArtonPaper #ArtsurPapier #Estampe #FineArtPrint #Print #art #kunst #Yvaral #OpArt #KineticArt

Jean-Pierre Vasarely (1934–2002), professionally known as Yvaral, was a French artist working in the fields of op-art and kinetic art from 1954 onwards. He was the son of Victor Vasarely.

Yvaral studied graphic art and publicity at the École des Arts Appliqués in Paris between 1950 and 1953. In 1960, Yvaral co-founded the Groupe de Recherche d’Art Visual (GRAV) with Julio Le Parc, François Morellet, Francisco Sobrino, Horacio Garcia Rossi and Joel Stein, seeking to develop a coherent abstract visual language composed of simple geometric elements.

In 1975 he coined the phrase 'Numerical Art' to describe artwork composed (or programmed) according to numerical rules or algorithms. From this time onwards he used computers to digitally process and manipulate images, although the final images were always hand painted. He used this technique to produce several series of portraits starting from instantly recognisable images, such as the face of Marilyn Monroe, and processing them to the point where they become abstract compositions, while the original image remains recognisable.

He died on August 2, 2002, aged 68 and was survived by his widow, Michèle Taburno.

#biography
Wikipedia
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Jean-Pierre Vasarely dit « Yvaral », né le 25 janvier 1934 à Paris et mort le 4 août 2002 dans la même ville, il est un peintre français. Travaillant dans les domaines de l'art virtuel, Op art et de l'art cinétique à partir de 1954. Il était le fils de Victor Vasarely.

Fils de Victor Vasarely, Yvaral est le cofondateur du Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV) en 1960 avec Horacio Garcia Rossi, François Morellet, Francisco Sobrino, Joël Stein et Julio Le Parc.

Yvaral est sans doute à l'origine de l'expression « art numérique » qu'il utilise depuis 1975. « Numérique » signifiant ici « régi par les nombres » et non « informatique », puisque ce n'est que dix ans plus tard qu'il s'aidera de l'outil informatique dans son travail.

À partir de ce moment, il a utilisé des ordinateurs pour traiter et manipuler numériquement des images, bien que les images finales soient toujours peintes à la main. Il a utilisé cette technique pour produire plusieurs séries de portraits à partir d'images instantanément reconnaissables, telles que le visage de Marilyn Monroe, et les traiter au point où elles deviennent des compositions abstraites, alors que l'image originale reste reconnaissable.

Il est décédé le 2 août 2002, âgé de 68 ans et est survécu par sa veuve, Michèle Taburno.

#Biographie

Wiki et petit ajouts par Yoannick Ysebaert
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#Collections #Collection #yoannickysebaert & #ysebaertlouisseizearts

Fine Art Prints - Estampes - Graphics – Graphiques - Original limited Edition Fine Art Prints-Estampes Originales, Éditions Limitées.
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Kinetic Art - Op Art – Art Cinétique - art optique - optical art
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ART MinimaL ART - Monochromes
Minimalisme - Minimalism - Minimalists – Minimalistes
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Art Construit - Geometric abstract
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CHRISTO (1935) – Christo Vladimirov Javacheff

Open edition fine art print by Christo; Projet Umbrela

Offset print on paper signed in pencil by the artist on the right in the pattern and presented in Plexiglass case. Open edition multiple only this one is signed in pencil by hand. Dimensions: 36.5 x 28.7 cm.

Estampe d’une édition ouverte de Christo; Projet Umbrela

Tirage offset sur papier signé à droite au crayon par l’artiste dans le motif et monté dans un boîtier en Plexiglas.; multiple d’une édition ouverte seulement celui-ci est signé au crayon à la main. Dimensions: 36,5 x 28,7 cm.

#artonpaper #artsurpapier #art #kunst #artcontemporain #contemporaryart #nouveauréalisme #Offsetprint #print #ImpressionOffset #Christo

Christo was born in Gabrovo, Bulgaria. His father, Vladimir Javacheff, was a businessman and ran a fabric factory, and his mother, Tsveta Dimitrova, was the secretary at the Academy of Fine Arts in Sofia. Professors from the Academy who visited his family observed Christo's artistic talent while he was still of a very young age.

Christo studied art at the Sofia Academy from 1953 to 1956 and went to Prague, Czechoslovakia (now Czech Republic), until 1957, when he left for the West by bribing a railway official and stowing away with several other individuals on board a train transporting medicine and medical supplies to Austria.

Christo quickly settled in Vienna and enrolled at the Vienna Academy of Fine Arts. After only one semester there, he traveled to Geneva and moved to Paris in 1958. As a result of his flight, he lost his Bulgarian citizenship and became a stateless person. His life in Paris was characterized by financial hardship and social isolation, which was worsened by his difficulty learning the French language. He earned money by painting portraits, which he likened to prostitution and signed with his family name "Javachef" while his early works were signed "Christo".

Christo and Jeanne-Claude met in October 1958, when he was commissioned to paint a portrait of her mother, Précilda de Guillebon. Initially, Christo was attracted to Jeanne-Claude's half-sister, Joyce. Jeanne-Claude was engaged to Philippe Planchon. Shortly before her wedding, Jeanne-Claude became pregnant by Christo. Although she married Planchon, Jeanne-Claude left him immediately after their honeymoon. Christo and Jeanne-Claude's son, Cyril, was born 11 May 1960. Jeanne-Claude's parents were displeased with the relationship, particularly because of Christo's refugee status, and temporarily estranged themselves from their daughter.

In 1961, Christo and Jeanne-Claude covered barrels at the port of Cologne, their first collaboration.

In 1962, the couple tackled their first monumental project, Rideau de Fer (Iron Curtain). Without consent of authorities and as a statement against the Berlin Wall, they blocked off Rue Visconti, a small street near the River Seine, with oil barrels. Jeanne-Claude stalled approaching police, persuading them to allow the piece to stand for a few hours. Although he was simultaneously holding his first exhibition at a gallery, it was the Visconti project that made Christo and Jeanne-Claude known in Paris.

In February 1964, Christo and Jeanne-Claude arrived in New York City. After a brief return to Europe, they settled in the United States in September of that year. Although poor and lacking fluency in the English language, Christo displayed his work in several galleries, including the well-known Castelli Gallery in New York and Gallery Schmela in Düsseldorf, Germany. Christo began to create storefronts, which he built to scale. Sale of the storefronts helped finance larger projects.

Wiki
#biography
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Né en Bulgarie, Christo Vladimirov Javacheff arrive à Paris en 1958. Il y rencontre et épouse Jeanne-Claude de Guillebon avec qui il fera œuvre commune.

Christo et Jeanne-Claude réalisent des empaquetages sur le port de Cologne.
A Paris, en 1962, ils assemblent plus de 200 barils d'huile et d'essence pour exprimer leur refus du mur de Berlin.Comme César, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle et Gérard Deschamps avant lui, Christo rejoint le groupe des nouveaux réalistes en 1963.

Ils s'installent à New York en 1964 et adoptent la nationalité américaine. Ils continuent de pratiquer l'empaquetage comme symbole de prise de possession de l'espace et de l'éphémère en tant que dimension esthétique. Les artistes considèrent procurer "une dimension sculpturale nouvelle" aux monuments qu'ils s'approprient, drapent, découpent et colorient.

Leurs œuvres sont signées Christo jusqu'en 1994, date à partir de laquelle apparaît le nom de Jeanne-Claude.

«Nos projets sont des œuvres d'art in situ, ce ne sont pas des objets transportables. D'habitude une sculpture normale, qu'elle soit classique ou moderne, a son propre espace physique. D'une certaine façon cet espace appartient à la sculpture car il a été préparé pour elle. Nos projets touchent une sensibilité plus vaste, en fait ils s'approprient ou empruntent des espaces qui habituellement n'appartiennent pas à la sculpture.»

Monuments emballés : Musée d'art contemporain, Chicago (1969) - Leonard de Vinci, Piazza Scala, Milan (1970) - Pont-Neuf, Paris (1985) - Reichstag, Berlin (1995)

#biographie
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#Collections #ysebaertlouisseizearts & #yoannickysebaert

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Original artworks of the 20th & 21st Century - Oeuvres originales du 20ème et 21ème siècle
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Contemporary & Urban Art/ Graffiti & Pop Art - Art Actuel - Contemporain - Urbain (Street) et Pop Art
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ART-Blauw-Blue-Bleu--Blau-Blu-Azul-синий - Art & Design and the color Blue !!!
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Artworks for Sale - Œuvres d'arts à Vendre & Expo
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