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Santos Fernández García.
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Matrix se inspira en esto, el hombre modern solo en un entorno que no fomenta las relaciones humanas y cosifica, al fin es una critica a la sociedad y anhela la compania en vez de hacer un mundo gris...nexa con Michael Ende y su obra Momo
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Momo es una de las historias favoritas de mi infancia;para mí la mejor,y debido a la profundidad de su mensaje la pueden leer muy a gusto los adultos.  :-)
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Y Dio no cantó...en este proyecto, pero hizo
Rough Cutt
Rough Cutt
Datos generales
Nacimiento 1980
Origen Flag of the United States.svg Estados Unidos
Información artística
Género(s) Heavy metal
Hard rock
Período de actividad 1980 - 1996
Artistas relacionados Craig Goldy
Paul Shortino
Web
Sitio web Página Oficial
[editar datos en Wikidata]
Rough Cutt es una banda de heavy metal de los años ochenta.

Índice
1 Carrera
2 Discografía
2.1 Álbumes de estudio
2.2 Álbumes en directo
3 Referencias
Carrera[editar]
El grupo nace gracias a la colaboración de Paul Shortino, Dave Alford y Ronnie James Dio, quien se encontraba trabajando con Black Sabbath. Aunque Dio nunca cantó con el grupo, fue una gran influencia para ellos.

Inicialmente el vocalista fue Paul Shortino, quien sería el reemplazo de Kevin DuBrow en Quiet Riot por poco tiempo. También hizo parte de la formación de Rough Cutt el guitarrista Jake E. Lee, que se haría popular en el seno de la banda del ex-Black Sabbath, Ozzy Osbourne. El guitarrista Craig Goldy y el tecladista Claude Schnell tocaron en la banda de Dio años después. Otros músicos que tuvieron lugar en Rough Cutt fueron los guitarristas Chris Hager y Amir Derakh, el bajista Matt Thorr y el percusionista Dave Alford, que participó en los primeros ensayos de la banda de hard rock Ratt. Suele considerarse entonces a Rough Cutt como una especie de "vitrina" para los músicos que la conformaron.

Entre 1981 y 1996, lanzaron al mercado cinco trabajos discográficos.

Discografía[editar]
Álbumes de estudio[editar]
Used And Abused y A Little Kindness (1981)
Rough Cutt (1985)
Wants You! (1986)
Álbumes en directo[editar]
Rough Cutt Live (1996)
Referencias[editar]
Rough Cutt, de Wikipedia en inglés.
MySpace oficial de la banda, en inglés.
Categorías: Grupos de heavy metal de Estados UnidosGrupos de hard rock de Estados Unidos
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Fortune (band)
From Wikipedia, the free encyclopedia
This article is about the band. For other uses, see Fortune (disambiguation).

[hide]This article has multiple issues. Please help improve it or discuss these issues on the talk page.
This article needs additional citations for verification. (July 2007)
Fortune
Origin Los Angeles
Genres Rock, progressive rock, hard rock, new wave
Years active 1978, 1981–1984, 1985, 2004, 2006–present
Website thefortuneband.com
Members Richard Fortune
Mick Fortune
Dave de Leon
Past members Larry Greene
Roger Scott Craig
Bobby Birch
Colleen Fortune
Ray Barrett
Fortune is an 80s rock band that had a number of minor hits in the early 80's including "Airwaves" from the The Last American Virgin movie soundtrack and from their second 1985 album release including: "Stacy," "Dearborn Station," and "Thrill of it All."

Contents  [hide] 
1 History
1.1 Formation
1.2 Fortune 1985
1.3 Fortune - Present
1.4 Style
2 Discography
2.1 Albums
2.2 Fortune: Tracks
3 References
4 External links
History[edit]

This article possibly contains original research. Please improve it by verifying the claims made and adding inline citations. Statements consisting only of original research should be removed. (September 2007)
Formation[edit]
The Fortune Band began in the late 70's when brothers Richard Fortune on guitar and Mick Fortune on drums decided to join together and form a band. The first Fortune self-titled album was released on Warner Bros in 1978 with follow-up WB singles releases including "Squeeze Me, Tease Me" and "Saddle in the Wind." In the early 80's, keyboardist Ray Barrett and bassist David de Leon (formerly Stanley Clarke's touring support bassist [1]) teamed up with the brothers, and the band began its move more toward the pop rock style of the time. This phase of the band capped with a show at Aloha Stadium Summer Blowout 1981, opening for Heart and Blue Oyster Cult. The band began to receive some national attention with the 1982 Columbia Records/CBS Inc. release of "Airwaves" on The Last American Virgin motion picture soundtrack. The movie is considered by many to be a cult classic of the time and the soundtrack proved to be a memorable compendium of 1980s radio hits with Fortune sharing the bill with bands such as U2, Journey, Blondie, REO Speedwagon and the Police.

As Fortune began to gain momentum, the core of the band, Richard, Mick and David, decided to take their music more mainstream and that some adjustment in personnel was now necessary to move in that direction. By Fall of 1982, the band had recruited keyboardist Roger Scott Craig. Craig had formerly played with Liverpool Express, a British-based group known in Europe and South America. By end of 1982, Fortune's singer (Richard's wife, Colleen Fortune) had left the band and was replaced by vocalist Larry Greene.

The band began writing all new songs, to which Roger and Larry contributed significantly. Over the next two years, Fortune spent much of their time in the studio recording demos for CBS records and performing live gigs in clubs around Los Angeles, also opening a stadium show in Hawaii. Unfortunately, the band was unable to get traction during this time and eventually disbanded in 1984.

Fortune 1985[edit]
In 1985, Camel/MCA Records came on the scene and offered to release a Fortune album. The band regrouped with Bobby Birch on bass. Greene and Craig had been collaboratively songwriting and landed most of their songs on this second 1985 Fortune album. The album was released, and was believed to have achieved significant sales in Europe and Japan. During this period, Camel/MCA had under-marketed and understated album sales to the band. While well received by the public, the band itself received virtually no revenue or recognition from the album. Camel Records shortly thereafter unexpectedly declared bankruptcy for undisclosed reasons and refused to give up the masters of the album, making an album re-release almost impossible. Fortune disbanded a second time.

Fortune - Present[edit]
The band regrouped again in 2006 as a power trio with original Fortune band members Richard Fortune on vocals/guitar, Mick Fortune on drums/vocals and Dave de Leon on bass/vocals. The band went back into the studio in mid-2008 to record new songs with plans in the works to release a new FORTUNE album.

Style[edit]
Fortune's style is similar to that of similar 80's anthem rock artists, such as Journey, Styx, Survivor, Foreigner, and Asia.

Discography[edit]
Albums[edit]
Fortune, Warner Bros 1978 (BSK 3246) [2]
Last American Virgin Movie Soundtrack, "Airwaves" 1982 CBS Inc.[3]
Fortune, 1985
Fortune (Re-release), 2004
Fortune: Tracks[edit]
Fortune 1978
Saddle The Wind
Squeeze Me, Tease Me
Certain Kind Of Feeling
Bein' Real With The Feelin'
Forget About Tomorrow
Country Love
Heavy
Love
Swinging From The Stars
Rainy Day Woman
Last American Virgin Soundtrack 1982
Airwaves
Fortune 1985
Thill of It All,
Smoke From a Gun,
Stacy,
Bad Blood,
Dearborn Station,
Lonely Hunter,
Deep in the Heat of the Night,
Stormy Love,
Out in the Streets,
98 In the Shade,
Fortune - 20th Anniversary Re-Release 2004
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Santos Fernández García.

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1. «Right Next Door to Hell»   Axl Rose / Izzy Stradlin / Timo Caltia 2:58
2. «Dust N' Bones»   Stradlin / Duff McKagan / Slash 4:55
3. «Live and Let Die» (Versión de Wings) Paul y Linda McCartney 2:59
4. «Don't Cry» (Original) Stradlin / Rose 4:42
5. «Perfect Crime»   Slash / Stradlin / Rose 2:22
6. «You Ain't the First»   Stradlin 2:32
7. «Bad Obsession»   Stradlin / Arkeen 5:26
8. «Back Off Bitch»   Rose / Paul Huge 5:01
9. «Double Talkin' Jive»   Stradlin 3:19
10. «November Rain»   Rose 8:53
11. «The Garden» (Con Alice Cooper) Rose / Arkeen / Del James 5:17
12. «Garden Of Eden»   Slash / Rose 2:36
13. «Don't Damn Me»   Slash / Dave Lank / Rose 5:15
14. «Bad Apples»   Slash / McKagan / Stradlin / Rose 4:25
15. «Dead Horse»   Rose 4:17
16. «Coma»   Slash / Rose 10:08
Miembros[editar]
USe your Ilusion II
N.º Título Escritor(es) Duración
1. «Civil War»   Axl Rose / Slash / Duff McKagan 7:43
2. «14 Years»   Izzy Stradlin / Rose 4:20
3. «Yesterdays»   Rose / West Arkeen / Del James / Billy McCloud 3:17
4. «Knockin' on Heaven's Door» (Versión de Bob Dylan) Bob Dylan 5:37
5. «Get in the Ring»   Rose / Slash / McKagan 5:37
6. «Shotgun Blues»   Rose 3:20
7. «Breakdown»   Rose 7:03
8. «Pretty Tied Up»   Stradlin 4:45
9. «Locomotive»   Slash / Rose 8:43
10. «So Fine»   McKagan 4:05
11. «Estranged»   Rose 9:24
12. «You Could Be Mine»   Stradlin / Rose 5:43
13. «Don't Cry» (Letra Alternativa) Stradlin / Rose 4:42
14. «My World»   Rose 1:25
Miembros[editar]
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Santos Fernández García.

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GraCIAS POR COMPARTIR Y TAN BIEN EXPUESTO.
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Mike haciendo musica, so good y creativo, spanglish slang...de Sharon en Rochester, Mn
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no se porque pero pone vídeo no disponible,buenos días de todas formas Santos,un abrazo
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Antonio Vivaldi
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Para el botánico, véase José Luis Vivaldi.
Antonio Vivaldi

Antonio Vivaldi por François Morellon de La Cave (1723)
Datos generales
Nombre real
Antonio Lucio Vivaldi
Nacimiento
4 de marzo de 1678
Venecia, República de Venecia
Muerte
28 de julio de 1741 (63 años)
Viena, Sacro Imperio Romano
Ocupación
Compositor, violinista, empresario de ópera, presbítero
Firma

[editar datos en Wikidata]
Antonio Lucio Vivaldi[1] (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741)[2] más conocido como Antonio Vivaldi, fue un compositor y músico italiano del barroco. Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época.[2]
Era apodado Il prete rosso ("El cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, que forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del concierto soli,[3] establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el concierto soli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.[4]
Sin embargo, Las cuatro estaciones son unos conciertos para violín en los que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que éste estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el concepto de concierto.[5] De esta manera, con la forma musical de los concerto soli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser considerado un concerto grosso, en el se establece un diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se intercambian entre un pequeño grupo de instrumentos (el concertino, a veces un único instrumento) que actúa usualmente de solista, y la orquesta (el ripieno). Llegar a este punto, sin embargo, fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y Giuseppe Torelli a los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus 3 N11 en re menor, donde se presenta un maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines, viola, violonchelo y continuo). Así, Las cuatro estaciones representan el concerto soli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros, Beethoven, extiende la influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de Vivaldi.[cita requerida]

Índice
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1 Primeros años
2 Etapas
3 Redescubrimiento de Vivaldi
4 Formas musicales
5 Curiosidades
6 Concierto Grosso y Concierto "per Soli"
7 Sus obras
7.1 Óperas
7.2 Música instrumental
7.2.1 Conciertos
7.3 Música vocal
7.3.1 Cantatas
7.3.2 Serenatas
7.3.3 Motetes
7.4 Música sacra
7.4.1 Oratorios
8 Discografía recomendada
9 Véase también
10 Referencias
11 Bibliografía
12 Enlaces externos

Primeros años[editar]
De los orígenes de la familia Vivaldi se sabe muy poco. Su abuelo, Agostino, era un panadero de Brescia; casado con Margherita, con quien tuvo varios hijos;[6] uno de ellos Giovanni Battista, familiarmente nombrado Gianbattista, que nació en 1656. Margherita, a la muerte de su esposo, fue a Venecia con sus hijos y Gianbattista empezó a destacar como violinista. En junio de 1676, a los veinte años de edad, contrajo matrimonio con Camilla Calicchio[7] El padre de Antonio Vivaldi, el músico Giovanni Battista Vivaldi, apodado Rosso (Rojo) y registrado en algunos documentos como Giovanni Battista Rossi, fue miembro fundador del "Sovvegno de' musicisti di Santa Cecilia", organización profesional de músicos venecianos; asimismo fue violinista en la orquesta de la Basílica de San Marcos y en la del teatro de S. Giovanni Grisostomo.[8] Fue el primer maestro de su hijo, que también fue, probablemente, discípulo de Giovanni Legrenzi.
El 18 de septiembre de 1693, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas (ostiario el 19 de septiembre de 1693, lector el 2 de septiembre de 1694, exorcista el 25 de diciembre de 1695 y acólito el 2 de diciembre de 1696). En 1699 fue ordenado subdiácono (4 de abril), luego diácono (18 de septiembre de 1700) y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703. Más inclinado hacia la música que hacia las obligaciones religiosas, logró que se dispensara de decir misa por razones de salud (según investigaciones médicas del francés Roger-Claude Travers, parece haberse tratado de angina pectoris).[9]
Etapas[editar]
La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas todas ellas según dicen algunos por la figura paterna[cita requerida]:
La primera fue la de la adquisición de una fama europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el editor veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de dos Opus de sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo instrumento: L'estro armonico en 1711, seguido de La Stravaganza en 1714. Estas obras novedosas superaron las innovaciones de Giuseppe Torelli y Albinoni, y le garantizaron un éxito fenomenal que se tradujo, en particular, en la reimpresión inmediata de sus Opus en Londres y París.

Caricatura de Vivaldi Il prete rosso, de Pier Leone Ghezzi (1723).
La segunda etapa fue la de su contrato en el Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para quienes iba dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado después de la enseñanza de la viola all’ inglese. Su función era la docencia y adquisición de ciertos instrumentos para sus alumnas y la dirección de la orquesta de aquella institución, que albergaba un famoso coro que reunía al conjunto de internas intérpretes. El nombramiento de un músico tan joven para aquel puesto envidiado da testimonio de los importantes apoyos de los que gozaba y de la fama de compositor, fundada sin duda en la difusión manuscrita de sus obras antes de ser publicadas, pero, por encima de todo, en su formidable celebridad como prodigio del violín, que durante mucho tiempo suplantaría su renombre como compositor en Venecia e Italia. Vivaldi realizó en la Pietà a lo largo de su vida una carrera tumultuosa, consecuencia de su personalidad histriónica y enfermizamente independiente. Pero sus caóticas relaciones con aquella institución, sembradas de rupturas y reconciliaciones, no le impidieron hacer de aquel puesto prestigioso su laboratorio y su santuario, al mismo tiempo.
La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de ópera, en la que cosechó grandes éxitos, "y también con una cierta falta de escrúpulos, tal como corresponde a la profesión".[10] En esta etapa conoció a Anna Giraud, una joven cantante, hija de un peluquero o fabricante de pelucas francés, que inicialmente fue su alumna, luego su intérprete y que, a partir de entonces, estaría siempre con él. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713, Ottone in Villa, su primera ópera conocida, seguida de una auténtica conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros de Sant'Angelo y San Moisè. Las partituras de las óperas fechadas en este primer período veneciano nos muestran unas obras suntuosas, exuberantes, testimonio de un temperamento dramático excepcional. Aquellas composiciones innovadoras e inquietantes, que imponían el stile nuovo atacando frontalmente al stile antico elogiado por los conservadores, le valieron la hostilidad de una gran parte de la aristocracia veneciana, cuyos teatros le cerraron herméticamente sus puertas. Por aquellas fechas, Vivaldi se confirmó igualmente como un formidable descubridor de la voz: él es, en efecto, quien dio a conocer a cantantes famosos como Fabri, Merighi o Strada, mucho antes de que Händel los contratara en Londres. En esa misma época, el compositor veneciano se impuso también y sobre todo como "impresario" en el sentido etimológico de la palabra, es decir, como empresario de espectáculos que produce tanto óperas propias como de otros compositores, revisándolas o uniéndolas a sus propias producciones.
Los cuadernos de viaje de un rico arquitecto de Fráncfort, Johann Friedrich Armand von Uffenbach, que asistió a la temporada de carnaval en Sant'Angelo en 1715, nos ofrecen un vívido testimonio de este periodo de frenética actividad. Aquel aficionado ilustrado critica en sus notas los decorados y el vestuario, y admira a los cantantes diciendo que “fueron incomparables y no desmerecieron en nada de los del gran teatro”, es decir, el de S. Giovanni Grisostomo. Pero sobre todo se muestra estupefacto por Vivaldi, que le fascina con sus prodigiosas intervenciones al violín. Uffenbach escribe lo siguiente en su cuaderno: “Hacia el final, Vivaldi interpretó un magnífico solo seguido de una cadencia improvisada que me dejó verdaderamente estupefacto, pues no es posible que alguien haya tocado o llegue nunca a tocar así. Colocaba los dedos a un pelo del puente, hasta el punto de no dejar sitio para el arco, y lo hacía además sobre las cuatro cuerdas, realizando imitaciones y tocando con una rapidez increíbles.” La carrera lírica de Vivaldi remontó así su vuelo guiada por dos consignas: reformar y sorprender, en una coincidencia llamativa y premonitoria de arte y estrategia comercial.
La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y lucrativos con una red de clientes y mecenas. Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental, con la venta de conciertos escritos o adaptados específicamente en función de los encargos; la música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y la música religiosa, mediante la composición de motetes, himnos, salmos y conciertos sacros para diferentes instituciones. Así es como Vivaldi escribió su Stabat Mater en 1712 para una iglesia de Brescia. Y así compuso también su primer oratorio, La vittoria navale, interpretado en Vicenza en junio de 1713.
Entre 1718 y 1722 trabajó para el príncipe de Mantua y, más tarde, comenzó un periodo de viajes por Europa para supervisar los estrenos de sus óperas. En 1738 dirigió un concierto en Amsterdam, donde interpretó su concierto PV 444 (RV 562) con una orquesta de veinticuatro músicos.[11] En 1740 se trasladó a Viena, donde murió un año más tarde sin recursos económicos. Al morir en Viena cae en el olvido, y es tanta la ingratitud que Italia tuvo con él, que no aparece en los libros de música de la época.
Una de sus obras más conocidas son los primeros cuatro de los doce conciertos para violín de su Opus 8 denominados por Vivaldi como Il Cimento dell'Armonia e dell'invenzione (La Disputa entre la Armonía y la Invención), de esta serie de conciertos, los cuatro primeros fueron conocidos luego como Las cuatro estaciones.
Vivaldi está considerado como uno de los precursores de la música romántica[cita requerida]: y de la música programática. Vivaldi imprimía un sello distintivo a cada composición, tratando de transmitirle al intérprete la intención que él habría preconcebido para su obra, por eso la mayoría de los movimientos sobre todo de sus concerti tienen un título que los identifica y en el caso particular de los cuatro primeros concerti de su opus 8 conocidos como Le Quattro Stagioni, Vivaldi mismo escribió un pequeño soneto lírico (en italiano) para cada uno de los conciertos, los cuales a menudo son recitados antes de la interpretación de estos. Sin embargo, no todos los músicos se mostraron tan entusiasmados con las obras del compositor italiano. Ígor Stravinski dijo de forma provocativa que Vivaldi "no había escrito cientos de conciertos, sino un único concierto repetido cientos de veces". Pero es precisamente, debido al establecimiento de la estructura del concierto con solista por parte de Vivaldi, que su desarrollo culminó con los Conciertos de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach. Pese a sus detractores, Bach sintió profunda admiración por Vivaldi, a pesar (al igual que con Händel) que el intercambio directo nunca sucedió, Bach transcribió muchas obras de Vivaldi tomándolas como tema de sus conciertos (como es el caso de los conciertos para clavicembalo).
Redescubrimiento de Vivaldi[editar]
En el siglo XX volvió a aparecer el interés por la obra de Vivaldi. Mencionemos a Antonio Fanna, Gian Francesco Malipiero, Angelo Ephrikian y en especial Alfred Einstein, quienes han difundido, editado y grabado en disco las obras de Vivaldi, muchas veces partiendo de manuscritos originales del compositor. Otra de las grandes rescatistas de Vivaldi es la mezzo-soprano italiana Cecilia Bartoli quien lo ha incorporado en varios de sus recitales y conciertos y ha grabado dos discos, The Vivaldi Album (1999) y Viva Vivaldi (2000), dedicado al compositor.
Formas musicales[editar]
Desde los exóticos concerti da camera, compuestos para la corte de Mantua hasta los conciertos para violín de su última época, además de otras decenas de piezas concertantes, la música barroca italiana de Vivaldi, ofrece contrastes sutiles y emociones refinadas. Complementa la diversidad de estilos que conforman el Barroco musical, el alemán, el francés, inglés y obviamente el poderoso centro italiano. La importancia del aporte de Vivaldi radica en haber consolidado la estructura del concierto como género.
Curiosidades[editar]
Vivaldi recibió el apodo de il prete rosso (el sacerdote pelirrojo) por el color de su cabello. De hecho, era una característica de su familia, y su padre ya era conocido con el sobrenombre de rosso.
En 1737 fue acusado de no decir misa siendo sacerdote, pero él se defendió alegando su asma; sin embargo, su enfermedad pulmonar no le restó capacidades a la hora de viajar por Europa.
Es uno de los temas centrales en la novela de ficción histórica La Copa Antonio Vivaldi, en la que una competición de música nombrada en su honor sustituye a la Copa Mundial de Fútbol.
Su ópera Montezuma, es el tema central de la novela de ficción histórica, Concierto Barroco de Alejo Carpentier 1974. Esta ópera, que versa sobre la conquista de México bajo una interpretación poco apegada a la realidad; fue estrenada en Venecia en 1733, en el Teatro Sant'Angelo.
Concierto Grosso y Concierto "per Soli"[editar]
Mientras Torelli y Corelli, entre otros, habían planteado el diálogo entre solista y orquesta, en un "balance de fuerzas" entre el grupo de solistas y el acompañamiento o "ripieno" en lo que se denominó Concerto Grosso, fue Vivaldi quien estableció una estructura compacta y orgánica del diálogo solista-orquesta, consolidando el concierto con solista o Concerto "per Soli".
El núcleo de esta organización en el concierto con solista radica en el desarrollo de la forma ternaria. La forma ternaria (A-B-A) consiste en A: exposición del tema, B: desarrollo, y A: reexposición del tema. En la parte A, el tema es el material musical que va a ser tratado en la parte central o desarrollo (B), donde se presenta el diálogo propiamente dicho entre solista (s) y orquesta, alternando con la aparición de elementos del tema e intervenciones de la parte del solo.
Esta forma musical, perfeccionada del "ritornello" donde el tema reaparece entre partes solistas, se utilizó para los dos movimientos rápidos del concierto con solista (I y III), mientras el segundo, de carácter lento, podía estar en forma binaria o ternaria, siendo el solista el que prevalece. Esta forma se difundió entre los compositores de diversos países, donde se fue aplicando progresivamente en conciertos para diversos instrumentos.
Esta forma musical es privativa de los conciertos con solista, no importa el número de solistas, sino el uso de esta forma musical, como lo muestran numerosas composiciones de Vivaldi, donde la forma ternaria "ritornello" es común a las obras para uno, dos o cuatro solistas. Por este motivo, en el sentido estricto de la forma, cabe establecer que lo que se conoce como concertos grossos no utilizan este esquema formal. Ejemplo: "L'estro armonico" Op. 3 n.º 11 de Vivaldi y todo el Opus 6 de Corelli.
De esta manera la mayor aportación del músico veneciano fue el desarrollo del Concierto para Solista, estructurado por el concerto "per Soli", Ripieno y Bajo continuo (Tutti) que a diferencia de su antecesor, el concierto grosso, logra un desarrollo contrapuntístico y armónico más fluido, así como partes solistas más complejas en las que se concentra el desarrollo interpretativo y técnico.
Por lo expuesto, la reputación de Vivaldi se impuso asimismo en Alemania, donde Johann Sebastian Bach analizó y transcribió numerosos conciertos de violín adaptándolos para el clave. En este proceso, J. S. Bach desarrolló aún más la forma establecida por Vivaldi, aplicando nuevos principios como la polifonía y el uso de dos secciones en la exposición del tema (Forma Ternaria Compuesta).
Vivaldi compuso desde conciertos para un solista hasta para más de una docena. Esta forma musical barroca es una redistribución de las fuerzas orquestales del tutti y del ripieno en dos bloques fundamentalmente desiguales, que oponen un tutti masivo a un solista indomable. Solli y orquesta se encuentran, planteando con claridad el diálogo entre estas dos fuerzas complementarias, al contrario de Bach, donde las ideas del tema y la parte solista se entremezclan o chocan en todas sus obras concertantes.
Para Vivaldi, el solo y el tutti son contraposición, diálogo; en Bach son dos fuerzas antagónicas. Mientras que en los conciertos de Vivaldi el tema es claramente presentado por la orquesta, el rol del solista es transformarlo armónica, rítmica o melódicamente. El solista es el primer plano, la orquesta un fondo, no un relieve.
En los conciertos de Bach, la orquesta cumple precisamente la función de relieve, no es sólo un fondo, ya que incluso toma el papel de desarrollar el tema, hecho que en Vivaldi es un papel exclusivamente aplicado al solista.
Escuchar por ejemplo: Concierto en la menor BWV 1041 el primer movimiento de J. S. Bach, y compararlo con el Concierto en sol menor Op. 12 n.º 1, o el Concierto para dos violines en la menor Op. 3 n.º 8 de Vivaldi y el Concierto para dos violines en re menor BWV 1043.
Si bien el progreso en el género concierto se debe al impulso dado por Vivaldi, no menos importantes son sus obras de cámara, sus sonatas a tres instrumentos, oberturas o "sinfonías", que son más bien un tipo de "concierto sin solistas", y a no dudarlo sus poco conocidas óperas y arias, así como su música religiosa, en las que el lirismo y la poesía de las melodías son la muestra más clara del talento del misterioso "cura rojo".
Sus obras[editar]
Véase también: Anexo:Composiciones_de_Antonio_Vivaldi

Vivaldi Spring mvt 1: Allegro


Las cuatro estaciones de Vivaldi. John Harrison, Violín

Vivaldi Spring mvt 2: Largo


Las cuatro estaciones de Vivaldi. John Harrison, Violín

Vivaldi Spring mvt 3: Allegro


Las cuatro estaciones de Vivaldi. John Harrison, Violín

Vivaldi Summer mvt 1: Allegro non molto


Las cuatro estaciones de Vivaldi. John Harrison, Violín

Vivaldi Summer mvt 2: Adagio


Las cuatro estaciones de Vivaldi. John Harrison, Violín

Vivaldi Summer mvt 3: Presto




Vivaldi Autumn mvt 1: Allegro


Las cuatro estaciones de Vivaldi. John Harrison, Violín

Vivaldi Autumn mvt 2: Adagio molto




Vivaldi Autumn mvt 3: Allegro


Las cuatro estaciones de Vivaldi. John Harrison, Violín

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Las cuatro estaciones de Vivaldi. John Harrison, Violín

Vivaldi Winter mvt 3: Allegro


Las cuatro estaciones de Vivaldi. John Harrison, Violín

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Su producción fue numerosísima. Escribió 46 operas, 70 sonatas, 195 composiciones vocales, entre las que se cuentan 45 cantatas de cámara y 554 composiciones instrumentales, en su mayoría conciertos. Los más conocidos son los doce que componen Il cimento dell´ Armonia e dell´ Invenzione (1725). Los primeros cuatro conciertos incluyen las célebres Cuatro estaciones: nº 1 en mi mayor, La primavera; nº 2 en sol menor, El verano; nº 3 en fa mayor, El otoño y nº 4 en fa menor, El invierno. Por lo que compuso casi 700 obras.[12]
Música religiosa como el oratorio Judith triumphans (1716), el Gloria en re (1708), misas y motetes. Sus sonatas instrumentales son más conservadoras que sus conciertos y su música religiosa a menudo refleja el estilo operístico de la época y la alternancia de orquesta y solistas que ayudó a introducir en los conciertos. Johann Sebastian Bach, contemporáneo suyo, aunque algo más joven, estudió la obra de Vivaldi en sus años de formación y de algunos de los conciertos para violín y sonatas de Vivaldi sólo existen las transcripciones (en su mayor parte para clavecín) de Bach.
El Ryom-Verzeichnis o catálogo Ryom es un importante catálogo de las obras de Vivaldi. Otros catálogos son los de Fanna, Pincherle y Ricordi.
Óperas[editar]
Ottone in villa, RV 729 (1713 Vicenza)
La costanza trionfante degl'amori e degl'odii, RV 706 (1716 Venecia)
Arsilda, regina di Ponto, RV 700 (1716 Venecia)
L'incoronazione di Dario, RV 719 (1717 Venecia)
Tieteberga, RV 737 (1717 Venecia)
Artabono Re de' Parti, RV 701 (1718 Venecia)
Armida al campo d'Egitto, RV 699 (1718 Venecia)
Scanderbeg, RV 732 (1718 Florencia)
Teuzzone, RV 736 (1718 Mantua)
Tito Manlio, RV 738 (1719 Mantua)
La Candace o siano Li veri amici, RV 704 (1720 Mantua)
Gli inganni per vendetta, RV 720 (1720 Vicenza)
La verità in cimento, RV 739 (1720 Venecia)
La Silvia, RV 734 (1721 Milán)
Ercole su'l Termodonte, RV 710 (1723 Roma)
Giustino, RV 717 (1724 Roma)
Cunegonda, RV 707 (1726 Venecia)
La Fede tradita e vendicata, RV 712 (1726 Venecia)
Dorilla in Tempe, RV 709 (1726 Venecia)
Ipermestra, RV 722 (1727 Florencia)
Farnace, RV 711 (1727 Venecia)
Siroe Re di Persia, RV 735 (1727 Reggio)
Orlando (furioso), RV 728 (1727 Venecia)
Rosilena ed Oronta, RV 730 (1728 Venecia)
L'Atenaide, RV 702 (1728 Florencia)
Argippo, RV 697 (1730 Praga)
Semiramide, RV 733 (1731 Mantua)
La fida Ninfa, RV 714 (1732 Verona)
Doriclea, RV 708 (1732 Praga)
Motezuma, RV 723 (1733 Venecia)
L'Olimpiade, RV (1734 Venecia)
L'Adelaide, RV 695 (1735 Verona)
Il Tamerlano [Il Bajazet ], RV 703 (1735 Verona)
La Griselda, RV 718 (1735 Venecia)
Ginevra principessa di Scozia, RV 716 (1736 Florencia)
Catone in Utica, RV 705 (1737 Verona)
L'oracolo in Messenia, RV 726 (1737 Venecia)
Rosmira (fedele) RV 731 (1738 Venecia)
Feraspe, RV 713 (1739 Venecia)
Música instrumental[editar]
[13
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Santos Fernández García.

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I Tangier furono una hard rock band formata nel 1985 a Filadelfia, Pennsylvania.

Indice  [nascondi] 
1 Storia
1.1 Dopo lo scioglimento
2 Formazione
2.1 Ultima
2.2 Ex componenti
3 Discografia
4 Note
5 Collegamenti esterni
Storia[modifica | modifica wikitesto]
I Tangier vennero fondati nel 1985 a Filadelfia, Pennsylvania dal chitarrista Doug Gordon. L'idea di formare un gruppo gli venne notando il cantante Bill Mattson nella sua band dell'epoca, i Dead End Kids. Gordon contattò Mattson e gli propose di comporre del materiale assieme, e questo accettò la proposta. La prima formazione della band era originariamente composta da Bill Mattson alla voce, Doug Gordon e Rocco Mazzella alle chitarre, il bassita Mike Kost ed il batterista Mark Hopkins. Il gruppo venne messo sotto contratto con la Wolfe Records di Brian Kushner, la stessa etichetta che un anno dopo avrebbe dato alla luce il primo EP dei concittadini Britny Fox e poi degli Ivory Tower[3].

Il loro album di debutto, l'omonimo Tangier, venne pubblicato nel 1985 dalla piccola etichetta Wolfe Records, e prodotto da Robert Leese. Questo disco però venne diffuso in edizione limitata e solo in audiocassetta. Mattson e Gordon rimasero gli unici membri originali una volta arruolati Gari Saint (chitarra), Garry Nutt (basso) e Bobby Bender (batteria). Garry Nutt aveva suonato in precedenza con Jean Beauvoir e nella prima versione dei Diving for Pearls[3]. Durante questo periodo suonarono più volte da spalla ai Cinderella con cui instaureranno un rapporto di amicizia. Infatti i Tangier riuscirono a trovare un accordo discografico con la Atco Records proprio grazie alla buona parola messa da Tom Keifer dei Cinderella[3], e sotto la produzione di Andy Johns (produttore degli stessi Cinderella) il quintetto pubblicò il secondo album Four Winds nel giugno 1989. Il disco ottenne il 91º posto nella classifica di Billboard[7].

Bill Mattson abbandonò il gruppo nel 1990 per differenze musicali. Egli venne sostituito da Mike LeCompt, che era stato il cantante originale prima di venire sostituito da Mattson poco prima che la band trovasse un accordo discografico[3].

Con il nuovo cantante il gruppo incise il terzo disco dal titolo di Stranded, che venne pubblicato per la Atco e prodotto da John Purdell e Duane Baron. La traccia "You’re not the lovin’ kind" venne composta assieme al bassista dei Cinderella Eric Brittingham[7]. Dal disco venne estratta la traccia omonima nel quale videoclip partecipò Pamela Anderson[8].

Dopo lo scioglimento[modifica | modifica wikitesto]
Dopo lo scioglimento dei Tangier e dei Cinderella, Doug Gordon collaborò con Tom Keifer in un progetto che però, dopo le incisioni di alcune demo, non vide mai la luce[3]. Nel 1991 venne pubblicato il disco You Don't Like It...We Don't Care! dei Dead End Kids, la band di Bill Mattson precedente ai Tangier, al quale partecipò come corista l'ex chitarrista dei Tangier Rocco Mazzella. Mazzella raggiungerà la band Surrender Dorothy assieme al primo bassista dei Tangier Mike Kost, con cui pubblicò un disco omonimo nel 1992. Il batterista Mark Hopkins militò nella band Damien Steele nel ruolo di cantante, con cui incise un disco omonimo nel 1990. Nel 1992 invece fonderà i Pretty Wicked con cui pubblicherà un disco omonimo, sempre nel ruolo di cantante. Michael LeCompt fondò il suo progetto solista arruolando nella formazione l'ex Blackeyed Susan e tastierista dei Cinderella Rick Criniti (chitarra), l'ex bassista dei Britny Fox Billy Childs e il batterista Ritchie DeCarlo. Dopo un disco omonimo dal nome di LeCompt, il progetto venne accantonato.

Garry Nutt suonò in tour con l'ex frontman dei White Lion Mike Tramp nell'estate del 1998. Successivamente entrò nella band Laidlaw con cui incise un disco omonimo nel 2003. Mattson apparì come corista nella raccolta dei Cinderella chiamato Gold[9], pubblicata nel 2006.

Formazione[modifica | modifica wikitesto]
Ultima[modifica | modifica wikitesto]
Michael LeCompt - voce, chitarra, tastiere
Doug Gordon - chitarra
Garry Nutt - basso
Bobby Bender - batteria
Ex componenti[modifica | modifica wikitesto]
Adam West - batteria
Bill Mattson - voce
Rocco Mazzella - chitarra ritmica
Mike Kost - basso
Mark Hopkins - batteria
Gari Saint - chitarra
Jim Drnec - batteria
Discografia[modifica | modifica wikitesto]
1985 Tangier
1989 Four Winds
1991 Stranded
Note[modifica | modifica wikitesto]
^ a b mp3.com - Tangier
^ nolifetilmetal.com - Tangier
^ a b c d e f rockdetector.com - Biografia
^ rockofages.wordpress.com - Recensione "Four Winds"
^ sleazeroxx.com - Tangier
^ glory-daze.com - Recensione "Four Winds"
^ a b aorarchivia.com - Tangier
^ sleazeroxx.com - Intervista a Doug Gordon
^ heavyharmonies.com - Cinderella "Gold"
Collegamenti esterni[modifica | modifica wikitesto]
Tangier su MySpace
Tangier su MySpace 2
Bill Mattson su MySpace
Garry Nutt su MySpace
Sito ufficiale di Michael LeCompt
Intervista a Doug Gordon su sleazeroxx.com
Tangier su aorarchivia.com
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+Santos Fernández García. Can you talk english please..:-)))
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Santos Fernández García.

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Bello,gracias por compartir
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Santos Fernández García.

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