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Sebastián Villanueva
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Argentum: Gianneo, Camps, Ginastera
Atención gente del Internet!! que el álbum de hoy no lo pueden dejar pasar por inadvertido, mi consigna es que deben escuchar una de las más puras expresiones del nacionalismo musical argentino y ella es El Tarco en Flor de Luis Gianneo, un poema sinfónico inspirado en los coloridos follajes de San Miguel de Tucumán (capital de la provincia homónima del noroeste de Argentina, en ella el compositor vivió de 1923-42), sitio donde la llegada de la primavera y el estío son anunciados por el nacimiento de las flores de jacarandas que pintan la ciudad de un rosa-púrpura bastante peculiar (en México las jacarandas que nacen son de un tono azul-violeta), la pieza en sus inicios es de carácter melancólico (muy común en la música argentina, a poco no?) pero paulatinamente se torna en un ambiente festivo, segmentos de ternura y lirismo describen al Tarco elogiando su belleza, la obra concluye en una paz contemplativa.

Pompeyo Camps fue un compositor que se inició en la música popular urbana tocando piano y bandoneón en distintas agrupaciones de su natal provincia de Entre Ríos, en 1947 emprendió sus estudios profesionales particulares con Jaime Pahissa (compositor catalán establecido en Buenos Aires una década atrás), su relación maestro-pupilo se consolidó en una entrañable amistad que perduró hasta la muerte de Pahissa ocurrida en 1969. Su Fantasía Op. 42 es una especie de fusión entre tango y vals criollo con un variado manejo de la armonía y el contrapunto.

A los 21 años Alberto Ginastera concluiría antes de graduarse del Conservatorio de Música "Alberto Williams" su leyenda coreográfica Panambí (designada con el Opus 1 dentro de su catálogo), el montaje escénico desafortunadamente no pudo llevarse acabo el mismo año de haber terminado la partitura (hecho que sucedería en julio de 1940), no obstante, su autor extraería del ballet una suite de concierto que se estrenó el 27 de noviembre de 1937 por la Orquesta Estable del Teatro Colón dirigida por Juan José Castro, desde aquel día Ginastera se perfiló como el compositor líder de su generación (además recibió el premio de la Comisión Nacional de Cultura 1937), no menos importante, la obra se basó en el siguiente argumento de Félix L. Erruco:

"Según narra la leyenda, Panambí era la hermosa hija del cacique de una tribu guaraní que habitaba a orillas del río Paraná. Ella debía desposarse con Guarahú el guerrero más valiente de la tribu quien poco antes de celebrarse la boda, es secuestrado por las las doncellas que habitan en el río. El hechicero que ama a Panambí y ha sido rechazado por la bella indígena, aprovecha esta circunstancia para vengarse de ella y con tal propósito, informa a la tribu que los espíritus todopoderosos ordenan que Panambí se arroje al río en busca de su amado. Cuando la doncella se dispone a cumplir el mandato, aparece Tupá, un dios noble, quien le ordena desistir de su deseo, castiga al hechicero convirtiéndolo en un extraño pájaro negro y restituye a Guarahú, quien emerge de las aguas para arrojarse a los brazos de su amada"

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RE:Compositores Mexicanos Vol. IV
Uno de los recintos artísticos de mayor importancia de la Ciudad de México es la Sala Nezahualcóyotl que se encuentra dentro de los parajes del Centro Cultural Universitario, una edificación heredada gracias a las insistencias de Eduardo Mata por cuyo deseo de que la OFUNAM tuviese un hogar digno de una orquesta de primer orden, logró convencer al entonces rector de la Universidad, el Dr. Guillermo Soberón Acevedo, para su construcción. El proyecto fue encomendado a Arcadio Artis (destacado arquitecto mexicano de origen catalán), quien diseñó tanto en exteriores como en interiores una sala de conciertos fuertemente influenciada en la Berliner Philharmonie (el hogar de mi amada inmortal, la Filarmónica de Berlín), el diseño acústico corrió a cargo de Christopher Jaffe (especialista estadounidense en Acústica arquitectónica), el responsable de que su sonoridad fuera categóricamente nombrada como la mejor de América Latina (eso probablemente ya no sea vigente hoy en día). Su inauguración fue celebrada el 30 de diciembre de 1976 en un concierto-memorial ofrecido por la OFUNAM bajo la dirección de Héctor Quintanar (para dicha ocasión compuso Fiestas), desde aquel entonces la Sala Neza ha sido sede de la orquesta y la principal testigo de la vida musical universitaria.

En otro contexto, de Silvestre Revueltas vienen presentes el Canto de Guerra para las Fuerzas leales (la cual no hace falta comentar) y Colorines, una obra para ensamble pero de sonoridades sinfónicas, el compositor (con su clásico sarcasmo) dio el siguiente comentario referente a ella:

"Música de chirridos, dislocada, según respetables opiniones. Con un poco de imaginación o tal vez con mucha romántica, según otras. De todas maneras de un defino carácter mexicano. Música irónica, ruda, tierna, quizás hasta un poco dolorosa (¿para los oídos?)"

Complementan el álbum las graciosas Variaciones (sobre Las Mañanitas) de Alfonso de Elías y la suite Contrastes de Higinio Velázquez.

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El 2003, haciendo memoria de ese año, la política internacional se encargó de desmembrar Yugoslavia para siempre, el campo de la literatura-pop daría a luz el nefastísimo "Código Da Vinci" de Dan Brown (lo leí al igual que muchos curiosos........la verdad me decepcionó) y en lo deportivo la selección mexicana de fútbol ganaría la "Copa Oro" en un partido muy aburrido contra Brasil, por otro lado, recuerdo que en el mismo año la planta Volkswagen de Puebla ensambló el último Vocho del mundo, el Festival Internacional de Cine de Morelia se oficiaba por vez primera y la OSN [de México] festejaba sus 75 años de ser la agrupación musical más relevante del país (además de coincidir los 100 años de la cadena comercial Sanborns, hecho que carece de importancia para este sitio y que pasaría totalmente desapercibido sino fuera porque dicha Empresa auspició la última producción discográfica la que comparto hoy con ustedes de Enrique A. Diemecke al frente de dicha orquesta), por mi parte, estaba concluyendo la educación primaria e iniciaría la secundaria.

El álbum de hoy contiene íntegramente el concierto de gala que la OSN ofreció el viernes 28 de noviembre de 2003 en la sala principal del Palacio de Bellas Artes, en dicha ocasión se interpretaron obras que en conjunto son un mosaico de América y Europa, dos mundos geográficamente separados pero que históricamente han dado forma a una misma visión: Occidente, la música en su manifestación más erudita da testimonio de ello. Seguimos Sonando.

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Siempre he querido visitar España, es un deseo que desde mi niñez tengo pero que hasta la fecha no he podido realizar (y ganas no me hacen falta, la cultura española nunca ha sido ajena en mi vida), de todas sus comunidades la que más anhelo conocer es Andalucía (por antonomasia el iris de Iberia), pues todo en ella desde cualquier perspectiva que se vea es maravilloso, con tan bellas ciudades cada una con una mágica historia como Córdoba, Sevilla, Almería, Cádiz, pero especialmente, Granada, que "de lindas mujeres de sangre y sol" como dice la canción de Agustín Lara siendo poseedora de la imponente Alhambra (con sus atardeceres de fantasía) y el finísimo Palacio de Carlos V (el rey de los chocolates, según dicen), seducen todo aquel quien camine por sus salas, corredores, etc (bueno, yo solo me lo imagino, aún).

Ahora, entrando en materia, el álbum de hoy hace gala a la figura de Tomás Bretón y su prodigiosa maestría en la orquestación de obras puramente sinfónicas además de incluir algunos números orquestales de sus óperas (no zarzuelas, ehh), muy buena música. Olé España!!.

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Tres directores, tres orquestas, un mismo intérprete...........Para ser sincero con ustedes, la verdad es que este álbum no es muy de mi agrado, y no es que las obras incluidas en el sean malas o poco interesantes, sino por la parca calidad interpretativa de Carlos Prieto y en especial por su deplorable ejecución del Concierto de Ricardo Castro, pues en mi libre opinión, el maestro Prieto toca (un autentico Violonchelo Stradivarius 1720) tan convincentemente desafinado esta bellísima obra que logra hasta cierto punto, desvirtuarla (por lo menos sí la parte solista). Y lo que plausiblemente da razón a mi critica es que tras haber escuchado casi todas las grabaciones del Mtro. Prieto (se aclara que el que escribe estas lineas no es violonchelista) percato que sus interpretaciones del convencional repertorio académico (Bach, Beethoven, etc.) en verdad son deficientes, en cambio, su holgura interpretativa con la música nueva, como por ejemplo, la Fantasía Concertante de Joaquín Gutiérrez Heras y el Concierto de Samuel Zyman (ambas obras fueron comisionadas por el y para el) son más adecuadas para su forma de "tocar".

No obstante, lo indiscutible y admirable de Carlos Prieto (que por cierto también es un hombre de letras) es su altruismo hacia con el Arte; su Mecenazgo ha sido ampliamente reconocido en el medio musical internacional por fomentar la producción de nuevas obras para Violonchelo (solo o acompañado) entre los compositores de Latinoamérica principalmente y demás latitudes. Dejando de lado mi soberbio comentario del párrafo anterior, la verdad es que reconozco que gente como él (Empresarios amantes de la Cultura) hacen mucha falta en México.

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Compositores Mexicanos (y Españoles)
El álbum de hoy amerita unas cuantas aclaraciones y esto se debe principalmente por que contiene la primera grabación discográfica (hecha en septiembre de 1980) de la Sinfonía de Antonio Sarrier, un caso que hasta la fecha no queda del todo esclarecido debido a que tanto la obra como el compositor tienen indicios ambiguos, sin más preámbulo, ahí les va el chisme.

A mediados de 1939 apareció una antología titulada Morelia Colonial, la cual contenía una gran parte del archivo musical descubierto por Miguel Bernal Jiménez seis años atrás del Colegio de Santa Rosa María de Valladolid (fundado en 1743 y que a la postre es hoy conocido como el Conservatorio de la Rosas de la ciudad de Morelia), meses antes de la publicación, la Sociedad de Amigos de la Música [de Morelia] dentro de la presentación de su 10° Concierto Reglamentario realizado el 30 de mayo de 1939, efectuó el re-estreno de la Obertura (Sinfonía) de Antonio Sarrier por la Orquesta de la Sociedad dirigida por Miguel Bernal Jiménez, en los programas de mano de dicho concierto se especificaba que era la "primera sinfonía compuesta en América" pero no determinaba si su autor había sido un español peninsular, criollo, mestizo o algo (tendrían que pasar un par de décadas para que las conjeturas se resolvieran). Para 1997, el pianista y musicólogo Ricardo Miranda, publicó un libro llamado Antonio Sarrier: sinfonista y clarín, en el que clarificaba de una vez por todas quien fue dicho personaje y la historia detrás de su sinfonía, Antonio Sarrier fue un compositor que nunca abandonó España y se desempeñó como segundo clarín de la Real Capilla de la corte del rey Felipe VI el Prudente (1746-59), por su parte, en cuanto a la Sinfonía, menciona que el manuscrito encontrado en las Rosas fue obra de un copista, el cual fue enviado en un flete de partituras a Morelia aprox. en 1770 y resguardado en el Colegio, con ello, la premisa de "la primera sinfonía compuesta en América" quedó completamente desmantelada (todavía hoy en día la musicología experta no ha logrado determinar a quien le corresponde tal dicha).

El álbum es acompletado por la Obertura Concertante de Rodolfo Halffter (compuesta en Madrid en los años previo a su exilio en México al final de la Guerra Civil Española), la Noche de los Mayas y las Canciones (con textos de Antonio de Trueba y Federico García Lorca) de Silvestre Revueltas y por último, el Segundo Concierto para Violín (dedicado a Hermilio Novelo, muy probablemente el violinista mexicano más relevante de la segunda mitad del siglo XX) de Manuel Enríquez (basta decir que este concierto es de lenguaje modernista y experimental........me encanta!!).

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RE:Jesús Echevarría
Al Son de motivos de danza de inspiración folklórica e invención propia, Jesús Echevarría recrea en estas Suites barrocas las sonoridades de la antigua Nueva España a la par que rinde homenaje a las figuras del arte musical virreinal como lo fueron Antonio de Salazar, Manuel de Sumaya y muchos otros. Los títulos de estas suites aluden a dos regiones de México la Huasteca potosina y la Tarasca michoacana sus movimientos que las conforman se basan en melodías tradicionales (Suite Huasteca) aunque también ilustran el ambiente local (Suite Tarasca). Ambas obras son para cuarteto de cuerdas con acompañamiento de Jaranas, las cuales dan un aire huapanguero animoso. Fandango pues!!.

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RE:Gomezanda: Obra Orquestal
"Hay personas que fueron testigos de este mundo en tiempos del pasado, nuestro presente sin memorias asegura conocerlos pero el futuro no lejano los oculta en su olvido, quienes con anhelo y devoción sus sueños a Fortuna ofrendaron, de los cielos y sus hijas las estrellas, un lugar en la Historia a ellos regalaron"

.....de los que con poca frecuencia se habla.....y escucha.....

¿Cuantos músicos mexicanos durante el siglo XIX se inclinaron por la influencia del romanticismo alemán? A decir verdad, salvo por el bohemio Ernesto Elorduy (1855-1913), prácticamente nadie, y no es que las obras y nombres de Beethoven, Schumann o Liszt entre otros fueran desconocidos por estos lares por ejemplo, en aquel mismo siglo, Brasil, aun atada a las políticas de Europa y siguiendo los lineamientos de un Imperio (1822-1889) tendría como último monarca a Pedro II el Magnánimo, uno de los más íntimos admiradores de Richard Wagner, ergo, la influencia alemana en dicho país sería más que evidente sino que esto se debe a un gusto desmedido por la Ópera italiana, las Zarzuelas y cumpliendo las demandas más caprichosas de la alta sociedad la música de salón (afrancesada, por supuesto).

Cuando en 1899, el gobierno de Don Porfirio Diaz becó a Julián Carrillo para que se instruyera en el Königliches Konservatorium der Musik zu Leipzig (la institución de enseñanza musical a nivel superior más antigua de Alemania) y así por primera vez tener un compositor mexicano educado a la alemana, la relación musical sino hasta política entre ambas naciones se haría más estrecha, seguirían este camino en su primera estancia en el viejo mundo Manuel M. Ponce (1906-08) y Arnulfo Miramontes (1908-09), ambos estudiarían en el Stern'sches Konservatorium der Musik zu Berlin coincidiendo en la clase de piano de Martin Krause (el inminente maestro del célebre Claudio Arrau), y no sería hasta la década de los 20' del siglo pasado que después de haberse restaurado, más o menos, Europa tras la Primera Guerra Mundial otro músico mexicano probaría suerte en tierras germanas, Antonio Gomezanda.

Nacido el 3 de septiembre de 1894 en Lagos de Moreno, Jalisco, el pequeño Toño iniciaría sus estudios de piano y solfeo en su ciudad natal con las maestras Josefina y Concepción Pérez respectivamente, al cumplir 13 años partió hacia la Ciudad de México y entre 1910-14 se convertiría en pupilo de Manuel M. Ponce en su estudio particular, en 1913 ingresaría al CNM para estudiar composición con Julián Carrillo y el 11 de julio de ese año se presentaría en la Sala Wagner y Levien en un memorable recital junto a otros discípulos de Ponce (entre los cuales se encontraba un joven Carlos Chávez), su debut como pianista profesional fue el 10 de Noviembre de 1915 en el Teatro Ideal (antiguamente ubicado entre las calles Lic. Primo Verdad y República de Guatemala en el centro histórico), por estos tiempos conocería al respetado filósofo José Vasconcelos, quien prontamente reconoció la calidad artística del muchacho y por ello le otorgaría además de su protección una beca para perfeccionarse en el extranjero (si bien la idea original era Francia, la Providencia tendría otros planes para el joven compositor)

Gomezanda emprendió su ida a Europa en los primeros meses de 1921, su primer destino sería París donde conocería a Édouard Risler, quien le organizó un recital en la Sala Érard el 23 de febrero de ese año, seguirían después una serie de conciertos por España, Austria, Hungría, Italia y Alemania. Al llegar a Berlín tomaría clases de composición con Ferruccio Busoni en la Preußische Akademie der Künste y al año siguiente, entablaría amistad con Richard Hagel, a la sazón, director de la Filarmónica de Berlín (1919-22), con dicha orquesta Gomezanda se presentaría como solista bajo su batuta, además de tomar con el clases de orquestación. Fruto de sus estudios europeos, compondría su Fantasía Mexicana (firmado su manuscrito el 23 de junio de 1922 en Berlín) basada en dos canciones populares jaliscienses (La Pajarera y Los Payasos, ambas datan de tiempos de la Revolución) y estrenada el 19 de julio del mismo año con la Filarmónica de Dresde dirigida por Willy Naue y el compositor como solista al piano, en un revés a México, aprovecharía la ocasión para estrenarla en su país el 21 de octubre de 1923 en el Teatro Abreu (otro de los recintos que hoy día ya no existen), esta vez su interpretación fue acompañada por la Orquesta Sinfónica Nacional (nada que ver con la actual e institucionalizada OSN) dirigida por Julián Carrillo, partiría nuevamente a Berlín y regresaría a México dos años después.

A principios de 1925 recibió el encargo de la compañía escénica de Erwin Piscator para la composición de Xiuhtzitzquilo, poema histórico-musical en forma de ballet-pantomima (como reza el manuscrito), compuesto en una rapidez tan espontánea entre el 1-25 de abril y entregado a su patrocinador a finales de este, su argumento se basa en una antigua leyenda mexica que tiene su acción en la última noche del ciclo de la Piedra de Sol (comúnmente le llamamos Calendario Azteca), su estreno tuvo que esperar un par de años, realizado en el Theather am Nollendorfplatz de Berlín el 9 de Febrero de 1928 con coreografía y vestuario de Ruth Allerhand y un elenco de arios danzantes, Richard Hasse-Held (la víctima sacrificada), Eva Schmidt-Walden (la doncella), Jenny Ahemm (la sacerdotisa del fuego) y Hermann Curtius (el sacerdote mayor), la obra arrancó de la crítica sus mejores elogios.

Años más tarde compondría sus Danzas Mexicanas, brillante obra para piano y orquesta que sintetiza en sus seis tiempos el folklore nacional de norte a sur y de costa a costa, su estreno se llevo acabo el 20 de Mayo de 1955 en el Teatro Degollado por la Orquesta Sinfónica de Guadalajara dirigida por Abel Eisenberg y su autor al piano (en el mismo concierto interpretó la versión revisada de la Fantasía Mexicana). Por último, en cuanto a Lagos, poema sinfónico que evoca imágenes de su natal Lagos de Moreno y a la par, homenajea en sus cuatro movimientos a distintas personas nacidas igualmente ahí, fue fruto del recibimiento de la medalla "José Clemente Orozco" por parte del gobierno del estado de Jalisco, se estrenaría en el Teatro Degollado el 21 de septiembre de 1956 con Arturo Xavier González en el cello, el compositor al piano y (a quien dedicaría la obra) la Orquesta Sinfónica de Guadalajara dirigida por José F. Vázquez. El Mtro. Gomezanda fallecería el 24 de marzo de 1961 en la Ciudad de México.

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Las revueltas del arte como sucesos mal dolorosos infunden falsas ilaciones dentro de una mente brillante, Yo, quien escribe estas lineas (aunque sea algo altanero esta vez en mi reseña, lo se, dispensen), soy muy susceptible al disgusto cuando hallo hechos que no obedecen a las leyes causa-efecto. Digo esto porque me es debido explicar la desaprobación que siento al término de la lectura de un libro o artículo de los muchos reputados investigadores pseudo-expertos en la historiografía de la vida de Silvestre Revueltas y que argumentan ligar su obra creativa con el estridentismo (que fue ante todo un movimiento literario de vanguardia en México que perduró de los años 1920 a 1940, aprox.) debido a su ideología artística y política. En mi opinión, no hace falta creerse un "ilustrado" para dar en cuenta que la estética modernista de la música de Revueltas (sin tomar en cuenta lo muy mexicano que suenen sus melodías y armonías) no pudo haber sido concebida aquí en el país ni tampoco por haber entablado amistad con los dirigentes de dicho movimiento. La razón de mis argumentos son los siguientes:

En las varias idas y venidas del compositor hacia los Estados Unidos desde 1917 hasta 1929, especialmente en los años que residió en Chicago, es altisimamente probable (99.8%) que asistiera a alguno de los conciertos auspiciados por la International Composers' Guild (1921-27) fundada y presidida por Edgard Varèse (llamado como el Mago de los Sonidos por Miguel Ángel Asturias), su asociación perfilada como una cooperativa financiada por donaciones sería la principal encargada de presentar las composiciones más radicales y vanguardistas (tanto de compositores de América como de Europa) en los Estados Unidos en aquella década. Cuando esta dejó de existir, al año siguiente apareció la Pan American Association of Composers (1928-1934) fundada por Varèse pero dirigida por Henry Cowell, esta nueva sociedad de compositores exhortaría al buen Silvestre a ser uno de sus asociados (y no sería el único, también Carlos Chávez formaría parte de esta, de hecho el fue uno de sus vicepresidentes, al igual, Charles Ives, Heitor Villa-Lobos, Amadeo Roldán, Alejandro García Caturla, y otros grandes personajes, figurarían entre los asociados, apodados los ultramodernistas), por ende, he aquí de donde se afinarían las verdaderas tendencias modernas de la música de Revueltas, y principalmente vale la pena recalcar por la poderosísima influencia de Edgard Varèse.

Y si aun estos argumentos no bastaren para los más escépticos, les he de recomendar enfáticamente una escucha que sustenta elocuentemente mi juicio. En el álbum de hoy encontraran Ventanas, uno de los seis poemas sinfónicos compuestos por Revueltas en la primera mitad de los años 30' (el séptimo y último sería Sensemayá de 1937-38), esta pieza es junto a Esquinas donde su autor experimentaría con las técnicas más vanguardistas de su época, ambas no obedecen del todo a los cánones de la melodía lírica horizontal ni a los giros de la verticalidad armónica, dando gran predilección por explotar los recursos de variación rítmica yuxtapuesta, los puntos de climax son las densidades de la masa sonora organizada por fractales tímbricos, como si se tratara de un experimento de cristalización, cabe decir que el compositor escribió un breve y poco aclaratorio programa referente a su obra (así que no tiene sentido saberlo). Ventanas fue (dedicada a Ángela Acevedo, su segunda esposa) estrenada el 4 de Noviembre de 1932 por la Orquesta Sinfónica de México dirigida por su autor, como habría de esperarse, los críticos conservadores (y uno que otro del público) habrían de salir del concierto llorando como niñitas y lamentando que sus oídos de porcelana se habían lastimado (Si señor!!)

Ahora quisiera cambiar un poco mis matices, por lo cual hablaré sobre Itinerarios pero antes habré de contextualizarla. Uno de los episodios más sangrientos de la década de los 30' fue la Guerra Civil Española que tuvo su beligerancia entre julio de 1936 y abril de 1939, un conflicto entre dos facciones que además de propagar confusión entre el pueblo sobre los verdaderos motivos del inicio de hostilidades - básicamente luchaban por el mismo objetivo (someter al otro bando sin importar las consecuencias), entre las victimas inocentes de la guerra, el poeta andaluz Federico García Lorca, cuyo fusilamiento acaecido el 19 de agosto de 1936 sería recordado como una de las acciones más cobardes y viles realizadas por el bando nacional de Francisco Franco, al saber esta noticia, Revueltas sufrió un luto desolador por el fallecimiento de su más admirado y predilecto poeta, por ello compuso su Homenaje a Federico García Lorca (compuesto en el estío de 1936 y estrenado el 14 noviembre de ese año) paralelo a ello, el compositor había sido designado presidente de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR), asociación que emprendería -al año siguiente su comitiva hacia España en solidaridad con el bando republicano, la delegación de intelectuales que tras partir de México hacia los Estados Unidos se embarcaron en el trasantlántico RMS Britannic 1929 desde Nueva York hacia el viejo mundo, estaban un joven Octavio Paz, David Alfaro Siqueiros (quien fue el más extremista entre los representantes, pues el se enlistaría como soldado), José Chávez Morado y entre otros Silvestre Revueltas, quien llegaría a Barcelona el 17 de julio del 37 (justo al año de haber iniciado la guerra), después recorrería Cataluña y Valencia donde atestiguaría ver una Nación ensangrentada, endeudada y empobrecida. A inicios del 38 regresaría a México.

Los recuerdos de la miseria sometida a la madre España se plasmarían en dos de sus obras, la primera de ellas es el Canto de Guerra para las Fuerzas leales cuya Fanfarria de Metales es empleada en los primeros compases de Itinerarios, la segunda de estas, concluida poco tiempo después del triunfo de Franco, si bien, el compositor nunca escribió o comentó un programa explicativo ni definió si era un poema sinfónico o algo parecido (vaya que tenía la costumbre de hacer cosas así!!) fácilmente el escucha podrá asociar el discurso de la obra con las vivencias del compositor antes mencionadas, esta pieza tiene una de las melodías más tristes y sentimentales compuestas por Revueltas, el solo desgarrador del Saxofón soprano acompañado por las notas lagrimosas del Arpa demuestran el lado del Revueltas humano, que no puede ser indiferente ante la tragedia pero nada puede hacer por cambiarla. Disfruten la escucha.

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RE:Cuaderno de Viaje: Música de Mario Lavista
La composición en base a "técnicas extendidas" en los instrumentos tradicionales tiene sus nobles indicios en la música del posromanticismo alemán, compositores tan distinguidos como Gustav Mahler, Richard Strauss, Engelbert Humperdinck o Arnold Schönberg, habrían de ser los primeros en hacer uso de elementos poco convencionales como el flatterzunge (golpes continuos de lengua, sonidos articulados casi ásperos, su pronunciación habitual es Rrrrr...) o el sprechstimme (técnica vocal intermedia entre hablar y cantar), estos recursos paulatinamente se asociarían a la interpretación musical moderna y con el advenimiento de nuevos movimientos artísticos de avant-garde, la exigencia hacia los ejecutantes de igual manera se habría de expander, ahora los Multifónicos (dos o más sonidos separados por amplias alturas pero que suenan simultáneamente), Snap pizz (se le atribuye la innovación a Béla Bartók, consiste en pellizcar las cuerdas rebotando con fuerza en el diapasón), Slap tongue (el golpe de lengua más salvaje que pueda ser controlado), Cluster (en un piano, recargar toda la extensión de los brazos sobre el teclado, inventado por Henry Cowell), y demás, son elementos convencionales dentro de la llamada música contemporánea.

Aquí en México, uno de los primeros compositores en adherir todos estos recursos de manera exitosa a su lenguaje fue Mario Lavista (previamente Manuel Enríquez experimentó con todos ellos llegando a resultados interesantes pero no se clavaría demasiado en esta línea), quien es quizás el compositor mexicano más prestigiado vivo hasta hoy en día (y también radicado en el país), el álbum de hoy denota su adiestramiento con algunos de los elementos antes mencionados, las obras, todas corresponden a la década de los 80's, época donde la poderosa figura de Luciano Berio tenía un fuerte influjo sobre el maestro (y recuerden, no toda la buena música necesariamente debe reflejar belleza), Subid el volumen!.
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