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Raymundo D. Hernández
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Una parte de la fotografía produce felicidad
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IMÁGENES BASURA QUE INUNDAN LA RED


Para muchos en nuestro hermoso país de México se terminan formalmente las vacaciones, gracias al calendario escolar que marcó dos semanas primaverales para el descanso de los estudiantes y con ello de muchos padres de familia, docentes y profesionistas, nos preparamos para el regreso a las actividades cotidianas, no sin antes decir que además de la pila llena, del merecido y sanador descanso y para muchos de un espectacular bronceado, también traemos seguramente el celular y las cámaras fotográficas sin espacio para una más.

Millones de fotografías se tomaron durante este periodo, cada uno tiene lo mejor de los momentos vividos, lo asombroso, lo novedoso, los paisajes, los animales, los lugares, los objetos y hasta nuevos amigos, personas o familiares que no veíamos los traemos dentro de nuestros dispositivos.

Seguramente muchas de esas imágenes se colocaron instantáneamente en las diferentes redes sociales, los sitios web, las páginas personales y todo aquello que de una u otra manera en conjunto forman el infinito internet, seguramente los likes, me gusta, comentarios, corazoncitos y emoticones adornaron cada una de las fotografías.

Pero estoy seguro que hay más fotografías que faltan por seleccionar, editar, adornar y subir al internet, así que seguramente en los próximos días veremos un movimiento de imágenes mayor que en el periodo vacacional, y así contribuiremos a lo que alguna vez un famoso analista fotógrafo llamó el océano de imágenes basura que inundan la red.

Pero no nos preocupemos, nuestras fotos no son basura, lo dijo en alusión a que unos colegas profesionales y multi galardonados crearon un espacio fresco para, según él, poner realmente fotos interesantes, de calidad, con galerías, y con diversos temas de la sociedad, es un punto de vista nada más.

Por eso no nos acongojemos y sigamos publicando lo que capturamos y le queremos mostrar al mundo, no necesariamente de nuestras vacaciones sino de cualquier momento e instante, quizá alguna de nuestras fotos algún día se haga realmente famosa y sea vista en todo el planeta, eso puede realmente pasar, es cuestión de un clic para lograrlo, porque recuerden que una vez que se suben las fotografías a internet, no hay garantía absoluta de que la imagen se pueda borrar o desaparezca, pero hay altísimas probabilidades de que multiplique infinitamente.

Un aspecto fundamental de contribuir al océano de imágenes es que puede tener un impacto inmediato o atemporal, es decir puede convertirse en instantes en lo que llamamos una imagen viral, ya sea por su contenido explícito o implícito, por lo divertida, informativa, relevante o trascendente que resulte o puede permanecer en la marea de imágenes por algún tiempo o por mucho tiempo hasta que algo la detone y se haga mundialmente famosa, esos dos riesgos pueden suceder al echar una fotografía a este océano de imágenes.

Tarde o temprano esas fotos pueden tener su momento de gloria, por ejemplo aun cuando no había internet y el océano fotográfico era apenas un gran lago desbordante, el 5 de marzo de 1960, Alberto Korda, un fotógrafo cubano tomó la famosa fotografía de Ernesto Che Guevara en un evento, la fotografía se consideró como una más dando cuenta de lo sucedido, y no pasó nada, pero años después con la muerte del Che se revisaron nuevamente las fotografías, fue redescubierta, recortada y utilizada como la imagen de un ideal, después fue utilizada y modificada por artistas de la década de los sesenta y finalmente es considerada como una de las fotografías más reproducidas y significativas del siglo XX.

Otros ejemplos claros de la importancia de contribuir con fotografías en el océano, ya en esta época digital donde las imágenes fluyen casi a la velocidad de la luz lo encontramos con las fotografías de los artistas, deportistas u otras personas de influencia mundial que con solo colocar una foto en el Instagram por ejemplo, de inmediato se popularizan se convierten en tendencia y todo mundo las observa.

Hay fotos que en su momento impactan demasiado otras no fueron nada significativas ni importantes de momento, después, con el tiempo y en otro contexto, las fotos fueron extraídas de ese montón de imágenes y se hicieron famosas, virales e icónicas.

Hay un poder inexplicable que hace que una foto perdida, inundada en el océano infinito de pixeles digitales que circulan en la red reproduciéndose constantemente como imágenes sea puesta a la vista de todos. Como ya dije, es un poder inexplicable pero indudablemente humano, lleno de creatividad, sorpresa, ingenio, talento y otras tantas capacidades positivos o negativas con un firme propósito, que hace al final de cuentas una exposición potencial de la fotografía.

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PALABRA E IMAGEN NO SE CONTRAPONEN: GIOVANNI SARTORI


Giovanni Sartori, politólogo y sociólogo italiano que murió a la edad de 92 años; es un referente obligado para estudios contemporáneos de la política y la sociedad, pero sin lugar a dudas cautivó también a los comunicadores con sus pensamientos e ideas plasmados en su libro escrito en 1997 llamado: El Homo Videns, La Sociedad Teledirigida.

En las páginas de ese libro destaca que desde la segunda mitad del siglo XX y hasta ese entonces la televisión reinaba como medio de comunicación e información aunque ya se vislumbraba en el futuro inmediato al internet como el siguiente medio dominante, Giovanni escribió a efecto de reto para los críticos y pensadores, lo particularmente peligroso que resultaba para la humanidad la formación de generaciones con la televisión como medio dominante.

Plantea el teórico italiano en un principio las ventajas de leer, acción que permitió al ser humano desarrollar el sentido crítico analítico y cognitivo, contrario a lo que la televisión estaba generando a los nuevos seres humanos que sólo ven televisión e inhiben su capacidad cognitiva.

Sartori aseguró que el acto de tele-ver cambia la naturaleza del hombre en algo que denominó ver sin entender, que lo regresa a un estado primitivo, pues consideró que para el vidente las cosas presentadas en imágenes, cuentan y pesan más que las cosas dichas con palabras.

El politólogo nacido en Florencia, precisó que la televisión muestra cosas reales basadas en la fotografía y la cinematografía, esa es la base de su existencia. La diferencia con internet explica, es que la red es un instrumento multitarea que transmite imágenes, texto escrito y permite el diálogo e interacción entre los usuarios.

En su libro también presenta observaciones de como los otros medios de comunicación como el periódico, la radio, el teléfono y los libros generaban una comunicación lingüística, abstracta, que pone en funcionamiento el cerebro para entender las cosas, porque asegura que el pensar no necesita del ver.

Así pues hace un análisis crítico de los problemas causados al humano, y explica que la televisión es la primera escuela del niño, una escuela que denomina divertida en contraposición con la escuela aburrida, afirma que un niño formado en la imagen se reduce a ser un hombre que no lee, adicto de por vida a los videojuegos. Su fundamento se fundó en que la televisión produce imágenes y anula los conceptos, atrofiando la capacidad de abstracción y con ello la capacidad de entender. Esa fue la premisa sustancial del libro.

Lo realmente interesante es que el mismo Sartori expone conscientemente aún en contra de lo que el mismo afirma y plasma, que la palabra e imagen no se contraponen, que en realidad se combinan positivamente cuando se entiende mediante el concepto y mediante la vista, que palabra e imagen se refuerzan e integran.

Asevera que la solución al problema presentado entre hombre que lee versus el hombre que ve, tiene que ser armoniosa y eso se logra con un hombre unificado que lee (cultura escrita) y que ve (cultura audio visual), si eso sucede el resultado es perfecto, pero los hechos hasta ese momento le demostraron que ese hombre no se integraba en una sola suma.

Su conclusión en ese momento fue que el hombre que lee está decayendo rápidamente, y que la imagen pos si misma casi no provoca el acto de pensar, que debe ser explicada y que la explicación televisiva es insuficiente, que la integración entre el homo sapiens y homo videns se podría reanudar si existiera una televisión que explicara mejor, en tanto el acto de ver atrofia la capacidad de entender.

El Homo Videns es un libro que también nos ayuda a entender la política y la video-política, término acuñado por el mismo Sartori, en tiempos como el nuestro en que las elecciones son una constante marcada por los tiempos en televisión no da un panorama específico de como la televisión influye en las decisiones de un gobierno y en las decisiones electorales.

Hoy más que nunca Giovanni Sartori se convierte en un referente para entender el entorno político, social y mediático, por sus aportaciones académicas fundamentadas, por su crítica a los sistemas políticos, por su postura ante la imagen televisiva como un retroceso en el proceso cognitivo del hombre y por su visión de futuro en un mundo digital donde la mayoría de los usuarios de internet son analfabetos culturales que matan su tiempo libre ahí, en el lugar perfecto para perder el tiempo en trivialidades.

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6/4/17
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COMPARTIENDO LA EXPERIENCIA FOTOGRÁFICA

Hace un año ya que la Asociación de Reporteros Gráficos del Valle de Toluca (ARGVT), emprendió la plausible labor de invitar a reconocidos y experimentados fotógrafos de diferentes áreas para compartir sus conocimientos con los fotoperiodistas y con la comunidad interesada en la creación de la imagen a través de prácticas, charlas y conferencias.

El impacto ha sido más hacia afuera que hacia adentro, es decir, fueron más los estudiantes y aficionados, así como los integrantes de otras asociaciones fotográficas quienes asistieron continuamente a estas charlas y conferencias, que los mismos fotoperiodistas integrantes de la ARGVT a quienes van específicamente dirigidas la mayoría de estos eventos, aunque eso no es de extrañarse pues la labor de los fotorreporteros no tiene horario fijo.

El nivel de conocimiento vertido en estas actividades es muy alto nivel, los participantes son profesionales de la lente con galardones y experiencia destacada en sus respectivos ámbitos, las actividades a las que se invita también al público en general no tienen ningún costo, la asociación hace las gestiones correspondientes para que los asistentes conozcan, aprendan y refuercen sus conocimientos sin que esto genere un gasto.

Los espacios donde se han desarrollado la mayoría de estas actividades no podrían ser mejores, en diversas sedes de la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM), que con su espíritu humanista, académico y social, ofrece a la ARGVT, con el ánimo de contribuir al desarrollo del gremio.

Entre las actividades que se ha realizado se encuentran las conferencias o charlas como les gusta denominarlo y talleres teórico prácticos de fotografía con iluminación artificial y modelos, el desnudo y anatomía humana; foto deportiva (lucha libre), de naturaleza, panorámica, editorial, pose, estilo, fauna, de retrato y por supuesto de fotoperiodismo.

Son acciones en las que el intercambio de conocimientos ha sumado, hace tiempo que en Toluca no existía un movimiento fotográfico de este nivel; trabajar por cuenta propia y realizar trabajos por separado es la constante en cada agrupación, hoy vemos con gusto trabajos unificados en talleres, exposiciones, platicas o conferencias.

Aún hay mucho por hacer, los retos en fotografía van cambiando y para eso los fotógrafos debemos estar preparados, hoy se puede ser fotógrafo de medios, pero el día de mañana podría ser de sociales, institucional, deportivo o en alguna otra área, lo destacable aquí es la diversidad de temas que se comparten en estos eventos y como se pueden aprovechar.

En hora buena por todos los fotógrafos participes de este intercambio de experiencias y sobre todo por salir de la zona de confort en que se había sumido la actividad fotográfica en la capital mexiquense.

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31/3/17
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HACER FOTOS DE ESTUDIO CON LA LUZ DE OTRO FOTÓGRAFO

Hoy les quiero platicar de un truco un poco difícil de hacer, que puede ser muy útil en algunos casos para obtener fotografías de excelente calidad: de estudio, el problema es que el equipo de iluminación no es propio y se puede molestar el dueño y fotógrafo titular de esa situación.

Sucede en algún momento determinado, que como fotógrafos estamos en un lugar en que hay que hacer fotos de un personaje o varios, justo en el instante en que un fotógrafo contratado para tal efecto ya dispuso un kit de iluminación, sincronizado con su cámara y disparador, con temperaturas e intensidad perfectamente seleccionadas.

El proceso de montar un espacio para hacer fotos de estudio es complicado, hay que trasportar todo el equipo, llevar extensiones eléctricas, tripies, pilas, sombrillas, fuentes de poder, fondo, banco o sillas, cámaras, tarjetas, sensores infrarrojos y otros accesorios que son colocados en un espacio determinado, se hacen pruebas una y otra vez hasta estar satisfechos con el resultado.

El fotógrafo contratado para hacer la foto de estudio va a hacer su toma, para eso está ahí, pero a veces los fotógrafos que acompañamos el momento necesitamos también hacer fotos por cualquier motivo determinado.

Para hacerlo es conveniente de antemano solicitar el permiso al fotógrafo para hacer las fotografías considerando que cada vez que dispares con flash se van a activar sus sombrillas (flashes de esclava), si consigues la autorización entonces procede a hacer fotos espectaculares.

Lo que debemos hacer es colocar la cámara en modo manual, la sensibilidad (ISO), debe ser la más baja porque la intensidad de las luces generalmente es muy alta, calculamos la velocidad y el diafragma a partir del disparo de prueba. Se debe considerar que necesitamos un detonante de los flashes de esclava, entonces lo conveniente es usar tu flash con la dirección hacia arriba para únicamente activar las luces.

Si queremos que las fotos salgan bien, sólo tenemos unas pocas oportunidades, las que el fotógrafo de estudio disponga para que no se enfade por usar su iluminación o por activarla y arruinar sus tomas.

Podemos disparar un segundo o máximo dos después de que el fotógrafo de estudio cliquea su cámara, para que las luces destellen de manera sincronizada, si un flash no se activa, la foto no va a salir. Así consecutivamente podemos disparar y lograr fotos espectaculares con calidad de estudio siempre y cuando el colega fotógrafo lo permita.

Lo más común es que el fotógrafo no acepte hacer las fotos en conjunto pues se desconcentra y puede perder atención en sus detalles, lo destacable e importante es hacerle notar que tu únicamente activaras sus flashes un segundo después que él y que eso no interfiere con sus tomas, si logran esa sincronía, los dos tendrán resultados excepcionales.

El fotógrafo del estudio procura hacer empatía con el retratado, lo coloca, le dice la técnica fotográfica y como sentarse, hacia a donde voltear y donde dirigir la mirada, luego se coloca detrás de la cámara y hace sus tomas.

Debemos recordar y tener bien presente que la iluminación está dispuesta y adaptada con la cámara del fotógrafo de estudio, eso no podemos cambiarlo, ni siquiera podemos insinuar modificar la intensidad o dirección de la luz, tampoco podemos solicitar la atención del fotografiado pues estaríamos interfiriendo en la toma.

En la serie de fotografías que acompañan este texto, y claro obtuve el permiso correspondiente, observamos al fotógrafo de estudio Jorge Robles, que instaló su equipo para fotografiar a los galardonados de la presea Estado de México 2015, en la fotografía final aparece la titular de la institución de asistencia privada Vemos con el Corazón, Doménica Naime Atala, que recibió la presea al mérito municipal.

De lo que se trata en realidad al adaptarte a una situación como esta, es robarte en buen sentido de la palabra, un instante en una toma, de la manera más pulcra y limpia posible, sin que se percaten de ello las personas del entorno.

La capacidad del fotógrafo para adaptarse al de estudio es lo que da valor al momento y como resultado obtenemos imágenes de alta calidad, con colores nítidos e iluminación precisa, quizás el único inconveniente es que probablemente el sujeto fotografiado nunca mire a tu cámara, pero eso no necesariamente es un problema.


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17/3/17
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Día Pi:

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ESPECTACULARES MUJERES FOTÓGRAFAS

Son varias las fotógrafas que han dejado un legado importantísimo en el arte de la fotografía y muchas más que siguen compartiendo sus imágenes, proyectos y trabajos en: libros, exposiciones, revistas, posters, calendarios y evidentemente en las redes sociales, que han sido una plataforma de posicionamiento que las ha colocado en el ojo público con tanta claridad, que es imposible nombrar a todas, pero sin lugar a dudas son parte de este nuevo empoderamiento de la mujer.

Las fotógrafas del siglo pasado destacaron significativamente en un mundo que pertenecía a los hombres, hicieron una labor titánica y sus resultados los compartieron con la humanidad, además de su trabajo visual, nos enteramos de su vida, esfuerzos y sacrificios que hicieron para destacar en el círculo de los artistas visuales, de los fotorreporteros, de los retratistas, los naturalistas y todas las corrientes ideológicas.

Las fotógrafas de la actualidad son valientes, incansables, que se han adaptado a la fotografía digital y su democratización, la han ocupado como un recurso para proyectar la realidad y la magia, hoy las encontramos en contextos variados, han sabido inventarse en este nuevo mundo donde cada imagen se califica y descalifica fácilmente, donde millones de fotografías son vertidas diariamente al mundo eminentemente visual.

Así pues tenemos como referentes a la fotógrafa del pueblo, Dorothea Lange; Cindy Sherman y sus autorretratos; la magia de Annie Leibovitz, la modelo Lee Miller; Diane Arbus y sus fotos Frikis, Lucia Moholy y su Bauhaus; la revolucionaria Tina Modotti, las extravagantes Lisette Model y su hermana Olga Seybert; la pionera Anna Atkins, la documentalista Helen Levitt, la literaria, Gisele Freund; la detallista Imogen Cunningham, la humanista, Cristina García Rodero; la corresponsal de guerra Dickey Chapelle y la infantil, Anne Geddes.

Destacan también: Eve Arnold, Linda Wolf, Masumi Hayashi, Ellen von Unwerth, Francesca Woodman, Lola Álvarez Bravo, Linda McCartney, Louise Dahl-Wolfe, Gerda Taro, Julia Margaret Cameron, Nan Goldin, Ilse Bing, Frida Khalo, Leni Riefenstahl, Berenice Abbot y Margaret Bourke White por mencionar a algunas de las tantas mujeres que han hecho de la fotografía su arte de vivir.

Todas ellas fotógrafas que si bien algunas tienen una fama reconocida, otras fueron anónimas pero contribuyeron al desarrollo y producción fotográfica; de cada de estas excelentes fotógrafas podemos destacar un momento, una acción, una foto o toda una vida.

No hay duda que el papel de la mujer a lo largo de la historia en todos los ámbitos, ha marcado diferencia, sus puntos de vista y manera de actuar deben ser reconocidos, valorados y respetados, esa es la verdadera fórmula para lograr una sociedad con igualdad de oportunidades y responsabilidades compartidas.

En el día internacional de la mujer es justo y necesario destacar lo importante que han sido las fotógrafas, todas ellas talentosas y universales, que han aportado al mundo su arte, si mirada, su conocimiento, precisión, talento, discurso narrativo, su estilo de vida y su visión del mundo.

Gracias fotógrafas por estar ahí, gracias mujeres todas, por todo; que el día internacional de la mujer sea un referente, para como dice el primer acuerdo internacional de las Naciones Unidas, afirmar el principio de igualdad entre mujeres y hombres.

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EL PLACER DE HACER FOTOS DE PAISAJES

#Toluca #Teotihuacán #Atardecer #Paisaje #ValledeBravo #Toluca #Volcán #Amanecer

Subir la montaña, sentir el viento en la cara, admirar plácidamente el panorama, observar detalles que a primera vista parecían no estar, respirar profundo, escuchar el silencio y disfrutar el placer de estar vivo, son algunas de las tantas sensaciones que tenemos cuando fotografiamos los paisajes.

Hacer fotografía de paisaje nos vincula directamente con la naturaleza, también al hacer imágenes con horizontes urbanos, ya sea de día o de noche, son momentos que como fotógrafos disfrutamos porque hay tanto por experimentar y técnicas por aplicar para obtener resultados fabulosos, pero para lograrlo hay que tener en cuenta algunas variables técnicas para obtener imágenes que quienes las observen sientan como si estuvieran ahí con nosotros.

En primer lugar necesitamos saber a dónde vamos a fotografiar y el clima que más o menos se pronostica, con ello definimos el vestuario acorde para el lugar, por ejemplo si hay que subir la montaña nevada, necesitamos zapatos de uso rudo y ropa cálida, si vamos al desierto hay que llevar ropa ligera, hay que ir acorde al lugar. Esos detalles no se deben tomar a la ligera ni dar por sentado, la prevención es un buen elemento a considerar para que al hacer la toma fotográfica no tengamos distractores y estemos perfectamente concentrados en el objetivo.

Debemos checar que el equipo fotográfico esté en prefectas condiciones de utilidad, con baterías cargadas, tarjetas limpias, lentes angulares, telefotos o ambos; tripie, paño de limpieza, una selección precisa de materiales que necesitemos para no cargar equipo de más, previendo que nada falte.

Ya en el lugar, observamos y disfrutamos del paisaje, sin fotografiar, a menos que algo que sucede en ese instante desaparezca de un momento a otro, la idea es también disfrutar del momento y guardarlo en la memoria.

Colocamos tripie si creemos necesario, montamos y seleccionamos la parte del panorama que vamos a fotografiar, checamos los valores de la cámara: la sensibilidad, que para paisaje se recomienda que entre más baja mejor para obtener un detalle fino; la velocidad y el diafragma.

Es importante recordar que una velocidad lenta puede hacer que los aspectos en movimiento puedan salir barridos, a veces es un buen efecto en el caso de las cascadas y ríos, así que podemos hacer variedad de fotos con resultados diversos.

El diafragma nos marca la profundidad de campo, en la mayoría de las fotografías de paisajes se utiliza un diafragma cerrado para que las imágenes sean nítidas en todos los planos y se registren la mayor cantidad de detalles, si usamos el diafragma abierto debemos considerar los diferentes planos para que alguno de ellos destaque.

Y considerando los planos, tenemos que considerar la composición de la toma, si se van a incluir elementos como árboles, postes o rocas, si hay elevaciones o precipitaciones, elementos a considerar para poner en un primer, segundo o tercer plano, para ello es recomendable utilizar la regla de los tercios para hacer composiciones armónicas, con los elementos a destacar en los puntos áureos.

La ley del horizonte es fundamental en los paisajes donde no hay inclinaciones, ni montañas, donde el panorama destaca la línea que divide el cielo de la tierra o el mar, en esos casos es preciso mantener lineal la toma a 180 grados para mantener la estabilidad de la imagen, a menos que la intención sea hacer una fotografía con una inclinación basada en una intención específica, pero en mi particular experiencia funcionan y tienen mayor impacto las fotografías que mantienen el horizonte perfecto.

Los colores, la ausencia de ellos y los tonos son fundamentales en la fotografía de paisaje, si queremos emular a Ansel Adams, el fotógrafo de paisajes más representativo del siglo XX, lo recomendable es usar la cámara en modo de blanco y negro, cerrar al máximo el diafragma y buscar altos contrastes.

Por el contrario si queremos destacar los colores, podemos utilizar la función de alto rango dinámico (HDR) por sus siglas en inglés, sólo habría que observar muy bien el resultado porque a veces este proceso puede resultar en una imagen bastante saturada que pudiera no tener relación con el paisaje real.

Lo importante es fotografiar una y otra vez, hacer tomas sub expuestas y sobre expuestas, en blanco y negro y a color, con profundidad de campo, a bajas y altas velocidades, basados en los puntos áureos u omitiendo las leyes preestablecidas; disfrutar del momento y tener suficientes imágenes en la tarjeta con la mayor variedad posible para después poder seleccionar las mejores.

Posteriormente en la computadora tenemos que hacer los ajustes necesarios, para tener un resultado final espectacular, es cuestión de estilo y muy personal hacer de la edición el sello con el que nos queremos distinguir y como queremos que nos vean, adelante con las espectaculares fotos de paisaje y el enorme placer que esto implica.

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3/3/17
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